Artes Visuales – Página 25

Ahondar el fin

Sala C

Del 19 al 21 de octubre

La obra reúne mujeres y pequeñas piscinas realizadas en cerámica, en un mismo espacio, cada una situada en su soledad, generando un clima reflexivo que las vincula.
Cada pieza congela un momento, un segundo en el que la introspección se apodera de los cuerpos y el tiempo se detiene para contemplar la inevitable búsqueda de comprenderlo todo.
¿Flotar o sumergirse? Equilibrio en sentir la quietud e incertidumbre en cada última respiración, antes de volver a buscar el aire. Quiebre en esa espesa y opaca línea que separa el adentro y el afuera de los cuerpos que descubren lo inevitable del fin.
Piletas, tarimas y escaleras son algunos de los espacios elegidos para situar a las mujeres. Conviven bloques sólidos y pesados que contienen a las figuras en el agua tibia que dialoga con las piernas y nos relatan el relajo de sentir todo hasta el dolor. Algo en común entre ellas espera abajo, donde tira cuando se sufre un desamor o un instante perdido que ahonda en la nostalgia.

Búsqueda en común y compartida

Sala A

En esta ocasión el Centro de Arte de la UNLP presenta la realización de un mural collage impreso, interactivo con el público a cargo de las artistas Cecilia Bodoni y Angeles Fiora.

Louvre

Instalación permanente durante la bienal
Del 19 al 27 de octubre

Realizado por alumnos de Escenografía Complementario
Profesora: Laura Musso

La obra explora la contraposición entre las figuras rígidas y su inestabilidad, donde el objeto y sus reflejos van cambiando dependiendo de su movimiento natural pudiendo aparecer nuevas e inestables estructuras visuales desde su relación con el espectador. Es una obra abstracta geométrica despejada de todo discurso, en la que el espectador participa activamente. Se buscó plasmar la estética del movimiento real, distanciándose de las expresiones artísticas estáticas.

Historia(s) del arte de bolsillo

Actividad permanente de la bienal
Del 19 al 27 de octubre

Historia(s) del arte de bolsillo es un programa que lleva dos exhibiciones realizadas en el Departamento de Estudios Históricos y Sociales. Busca un diálogo entre la diagramación, el desarrollo y el montaje de muestras a partir del trabajo interdisciplinario entre dos carreras de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata: Historia de las Artes y Artes Visuales.

El propósito del proyecto es asociar en una misma actividad colectiva tres disciplinas diferentes con el objetivo de construir prácticas expositivas, curatoriales y artísticas innovadoras. En la presente Edición Bienal la propuesta reclama poner en imágenes algo en común entre dos oficinas de la Facultad de Bellas Artes, de manera que los límites espaciales se expanderán hacia el Departamento de Plástica para tender nuevos lazos.
Las artistas, Analía Belén Godoy y Victoria Galeano, buscarán encontrar una relación entre sus producciones. Para las curadoras, Pamela Dubois y Daniela Leoni, los esfuerzos estarán enfocados en el desarrollo del guión curatorial y del montaje en sala. Este ejercicio visual propone rescatar la potencia del trabajo colectivo y la búsqueda de “algo en común” que enriquezca los vínculos institucionales de los departamentos, áreas claves en el desarrollo académico de ambas carreras.

Apertura Bienal

Sala B
Del 19 al 24 de octubre

8° Muestra de las Cátedras del Departamento de Plástica. Facultad de Bellas Artes de la UNLP.

En el marco de la Apertura de la 5° Bienal de Arte y Cultura UNLP el Departamento de Plástica de la Facultad de Bellas Artes inaugura su octava exposición con propuestas artísticas de 24 cátedras que integran el Departamento. Más de 1500 estudiantes y docentes participan con obras que abordan la bidimensión y la tridimensión con distintas materialidades, en interacción con el público e incorporando nuevas tecnologías.

Proyecto Éter

Sala C
Inauguración: 1 de noviembre a las 19:30h
Del 1 al 9 de noviembre

Éter es el nombre de una hipotética sustancia que, desde la antigüedad, los filósofos creían que existiría en todo el universo. Sin embargo sería una sustancia carente de dimensión material. Su naturaleza etérea la haría entonces indetectable y, por lo tanto, no demostrable.

Considerado como personificación del concepto de cielo superior -el cielo sin límites, diferente de Urano, en la mito-poética griega-, Éter sería el aire elevado: puro, brillante y sólo respirado por los dioses; contraponiéndose al aire oscuro, el aér, respirado por los sujetos mortales.

Éter sería, así, un dios desconocido de la materia. Un elemento elevado, desprovisto de las densidades propias de la tierra, el fuego, el agua y el aire. Y de ese modo, reconocido como el quinto elemento de la naturaleza, la quintaesencia.

Conceptualmente: brilla e ilumina; arde y quema. Universalmente: sería el ente desmaterializado, propagador de la luz.

El conocimiento científico demostró, a principios del siglo XX, que esa sustancia no existe.

¿No existe? Tal vez, en el universo del Arte, a través de las mentes creativas de los artistas, el Éter podría ser demostrado/resignificado en transparencias, a través de sutiles materialidades.

Así nace el Proyecto Curatorial/Editorial Éter, una propuesta interinstitucional tetranacional, integrada por la Universidad Nacional de La Plata (Argentina); la Universidad Presbiteriana Mackenzie (Brasil); la Universidad de Zaragoza (España) y la Universidad de Porto (Portugal).

Curadores:
• Marcos Rizolli (Universidad Presbiteriana Mackenzie, Brasil)
• Teresa Almeida (Universidad de Porto, Portugal)
• Joaquín Escuder (Universidad de Zaragoza, España)
• Silvina Valesini (Universidad Nacional de La Plata, Argentina)

Artistas: José Spaniol, Lucia Castanho, Marcos Rizolli, Norberto Stori, Regina Lara, Sylvia Furegatti, Bartolomé Palazón Cascalez, Inma Femenía, Joaquín Escuder, Juan Bernardo Pineda, Manuel Adsuara, Victoria Chezner, Bruno Marques, Domingos Loureiro, Francisco Laranjo, Graciela Machado, João Paulo Queiróz, Teresa Almeida, Alejandra Maddonni, Grupo Ene (Silvia García/Julio Magadán), Verónica Dillon, Ayelén Lamas Aragón, Guillermina Valent, Silvina Valesini.

Revista Éter: http://revistaeter.org/

Madre de la Patria

Vidriera
Inauguración 12 de octubre a las 17h
Del 12 de octubre al 30 de noviembre

Capitana María Remedios del Valle Rosas, aquí están tus retratos que la Patria te debía. Tu color, tu esclavitud, tu pobreza y tu condición de mujer hicieron que tu amada Patria se olvidara de vos.
Mamá negra, mamá negra, mamá negra.
Así te empezaron a decir en las batallas y desde entonces fuiste la madre de nuestra patria incipiente. Nada pudo quebrar tu espíritu, ni los balazos, ni ser prisionera, ni las heridas de batalla… Te sobrepusiste a todo, firme y valiente.
Desde el 6 de julio de 1810, junto a tu marido y tus dos hijos, partiste a la primera expedición destinada al Alto Perú. ¡Qué gran dolor! Allí los tres murieron en combate. Continuaste sirviendo como auxiliadora en la derrota de Huaqui, en julio de 1811. Viviste los trágicos sucesos de la retirada del Alto Perú y, luego, el éxodo jujeño. En vísperas de la batalla de Tucumán te presentaste ante el general Manuel Belgrano para solicitarle que te permitiera atender a los heridos en las primeras líneas de combate. Belgrano, reacio por razones de disciplina a la presencia de mujeres entre sus tropas, te negó el permiso, pero al iniciarse la lucha no pudiste frenar tu bravura, llegaste al frente alentando y asistiendo a los soldados quienes comenzaron a llamarte la Madre de la Patria. Ante tanta valentía Belgrano no pudo menos que nombrarte capitana de su ejército.
Combatiste en las gloriosas victorias de Tucumán y Salta, y en las trágicas derrotas de Vilcapugio y Ayohuma. En los manuales Kapelusz nos mostraban las niñas de Ayohuma cándidas, inocentes, esbeltas, rozagantes, repartiendo con alegría el agua que beberían los soldados. Nada más lejos de tu realidad, nunca fuiste una de esas niñas. Vos, negra, herida, pisando la sangre y las vísceras.
Desde el campo de prisioneros ayudaste a huir a varios oficiales patriotas, y lograste fugarte de tus verdugos y reintegrarte a la lucha contra el enemigo. Tú expediente señala, entre otras cosas, que estuviste siete veces en capilla, es decir, a punto de ser fusilada y que a lo largo de tu carrera militar recibiste ocho heridas graves de bala.
Finalizada la guerra y ya anciana, regresaste a la ciudad de Buenos Aires, donde te encontraste reducida a la mendicidad. Frecuentabas los atrios de las iglesias de San Francisco, Santo Domingo y San Ignacio, así como la Plaza de la Victoria (actual Plaza de Mayo) ofreciendo pasteles o mendigando. Te hacías llamar «la Capitana» y mostrabas las cicatrices de los brazos, relatando que las había recibido en la Guerra de la Independencia, consiguiendo solo que quienes te oían pensaran que estaba loca o senil.
Fue entonces que se cruzó en tu camino el General Juan José Viamonte, quien te reconoció inmediatamente, y junto con Tomás Manuel de Anchorena y el diputado Ceferino Lagos, comenzaron la difícil lucha para que las autoridades de Buenos Aires te reconocieran el grado de capitana, con el sueldo correspondiente. Lograron su cometido el 15 de Marzo de 1827 y se votó para crear una comisión que componga tu biografía y que se haga un monumento.
Tantos papeles, tantas palabras laudatorias se tradujeron en 30 míseros pesos mensuales. Años después, Juan Manuel de Rosas te integró a la plana mayor inactiva, como retirada, con el grado de sargento mayor, donde tu sueldo aumento más del 600 %. Por ello, decidiste adoptar un nuevo nombre en señal de gratitud: Remedios Rosas. Así figuró en la revista de grados militares hasta tu muerte, en noviembre de 1847.

Gracias María,
Gracias Capitana,
Gracias Madre de la Patria.

Patricia Ciochini

Paisaje común

Hall del Centro de Arte

A cargo de las cátedras: Dibujo complementaria, 2, 3, y 4 (turno noche) y Grabado Complementaria

En esta acción el trazo es la referencia, el sustrato común de un proceso de aproximación entre prácticas artísticas. Así la convergencia, continuidad, derivación o integración entre campos disciplinares, son nociones que se ponen en juego en el registro de la línea, por lo que el punto de partida se configura expandido e inestable.
Si los esbozos en línea suelen ser tanteos azarosos de un proyecto de representación, esta experiencia de impresión a la manera lápiz, es automática en tanto solo se adecúa al estímulo inicial, pero prosigue determinada como producto de una cadena de intervenciones espontáneas. La imagen resultante finalmente será fruto de decisiones tomadas en tiempo real, integrando la acción individual en una obra colectiva.

The carro

Sala B

Concepto: Gonzalo Lagos y Alina Marinelli
Performance: Gonzalo Lagos y Alina Marinelli
Registro: Joaquin Wall

En el marco de la exhibición Thesaurus visual. Posibles modos del intervalo, esta performance surge a partir de la pregunta sobre la herencia que cargan los objetos y su transferencia al cuerpo: las huellas, los rastros, los vacíos, y el sentido trasladado a cada gesto que el cuerpo despliega, en diálogo con la particularidad de los objetos exhibidos.
A partir de un recorrido sistematizado y en el marco de un montaje establecido, nuestros cuerpos trazarán en el espacio acciones que intentan acercarse a ese primer interrogante, explorándose juntes en esa coexistencia.

Contacto. Exposición

Sala B
Inauguración 5 de octubre 18h
Del 5 al 13 de octubre

¿Cómo podemos transmitir a nativos digitales, en las primeras décadas del siglo XXI un quehacer tan definido por su materialidad, cuyos orígenes se remontan a 200.000 años?

Contacto intenta rodear está temática compartiendo múltiples documentaciones reflejadas en imágenes a través de la reproducción visual de proyectos personales que dan cuenta como se materializaron historias, retazos de vidas, reconstrucciones oníricas, recuerdos gratos, miedos, murmullos de infancias. Observaciones, escuchas, momentos y espacios en donde la mirada se intenta construir colectivamente y la reflexión crítica se realiza de manera conjunta en el ámbito del taller. Producción situada entre docentes y aproximadamente tres mil quinientos estudiantes, quienes vivenciaron en cada turno y cuatrimestre el ámbito de la cátedra iniciada en el año 2008.

Se imprime

Sala C
Inauguración 21 de septiembre a las 18h
Del 21 de septiembre al 13 de octubre
Organiza: Secretaría de Arte y Cultura de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP

La exposición desarrolla diferentes estadios de la producción de la Cátedra de Grabado y Arte Impreso Complementario en el transcurso de los diez años de producción donde el taller, los docentes y los estudiantes son los tres pilares que construyen en conjunto el sentido pedagógico de la propuesta de la asignatura.

Artistas: Agustina Bianchi, Alejandra Cortese, Camilo Garbin, Carolina Rocco, Juan Bellagamba, Juan Pablo Martín, Luisina Raciti, Micaela Liberanone, Nahuel Torras, Ro Barragan, Carlos Servat, Virginia Chiodini.

“Un aula puede ser una máquina de guerra, un chill out para la imaginación, un espacio de encuentro o como lo viene siendo hace años el equipo de la cátedra de grabado y arte impreso complementario Se imprime, puede ser el taller más rufián, sincero y acogedor para quienes gusten de las sustancias embriagadoras de las tintas gráficas.

Contra cualquier horizonte de expectativas, Se imprime puede proponer preparar una entrega para que termine siendo una pila de bollitos de papel para jugar a un carnaval sin agua, probar los alcances de una tinta debajo de las ruedas de un bus, redimensionar los límites de un rodillo con una aplanadora conducida por la titular de la cátedra, tallar el ‘taco’ más blando con las herramientas más cotidianas o restaurar la fachada de una casa con fotocopias. La lista se va tornando cada vez más inverosímil y a la vez más cerca de la imaginación. Así es la cosa, un ‘show de técnicas’ para hacer temblar todo presupuesto e instaurar por el tiempo que se quiera uno nuevo, muchos o ninguno.

¿Por qué acompañar experiencias gráficas como quien hace pogo en el recital más soñado no puede ser un modo de aprender/enseñar modos de producción, modos de estar en el mundo o algo así como de qué puede tratarse esto de ser artistas? ¿Por qué llevar en una remera ‘Su pregunta molesta’ no puede ser un guiño de complicidad que nos extrañe la mirada? ¿Por qué ‘La contradicción no puede ser nuestro posicionamiento singular’?

Hacer del riesgo afiches, del acompañar procesos y proyectos una intervención poética, una incisión que molesta y se agradece, hacer de la contradicción un modo de experimentar con materiales, hacer del aula taller una banda de rockers gráficos, hacer algo de esto y tantísimo más es lo hoy se encuentra condensado en este espacio, desde donde, como en un proceso postalquímico, se insiste sobre todo en no perder de vista la importancia de hacer del arte un lugar, para traer a los días (y a las noches) un poco de imposibles que, como en un sueño de 10 años, con una prensa imaginada, se impriman en distintos papeles una frase que diga ‘Todo lo que decimos puede ser lo contrario’ (y esto sin duda, es un montón).”

Guille Mongan