Presentación del fotolibro Covacha

Viernes 06.05.2022
18:00h
Auditorio

Covacha es un proyecto, de raíz pedagógica, que aborda el tema de la educación en contexto de encierro a partir de una producción editorial que tiene como base imágenes fotográficas (fotoquímicas) construidas colectivamente dentro de los centros de reclusión para mujeres y un material audiovisual experimental que recoge en primera persona las voces y opiniones de las participantes sobre el tema. El trabajo de campo del proyecto se realizó entre los años 2015 y 2020 en el Complejo Penitenciario de la Hornos (Buenos Aires).

Equipo de trabajo
Idea, producción general y fotografía: Jerónimo Rivero
Edición, diseño y maquetación: Juan Manuel Fiuza
Texto inaugural: Susana Canavesi
Producción Audiovisual: Pablo Rabe
Tallerista: Juan Manuel Zaldúa

Asesoría y Edición Gráfica: Nicolás Janowski
Tallerista: Célica Véliz
Gestión de Proyecto: Yenifer Galindo

Producción de textos
Ana Cacopardo, Liliana Cabrera, Tristán Basile y la CPM: Comisión Provincial por la Memoria.

Apoyos institucionales
El proyecto fue posible gracias al apoyo logístico y el financiamiento del Ministerio de Justicia y DDHH de la Provincia de Buenos Aires.
Comisión Provincial de la Memoria (CPM). Provincia de Buenos Aires.
Prosecretaría de Derechos Humanos Universidad Nacional de La Plata.
Biblioteca Pública de la Universidad Nacional de La Plata.
Facultad de Trabajo Social. Universidad Nacional de La Plata.

/por

¿Con qué inflamos cuando inflamos un globo?
Performance sobre la instalación de Elba Bairon (2022) de 
Francisco Pourtalé

Sábado 07.05.2022
19:00h
Vidriera

La performance de Francisco Pourtalé parte de una pregunta concreta. En apariencia fácil de responder, pues todes sabemos que el aire ocupa lugar, llena vacíos, envuelve formas. Pero, el aire o el vapor, el soplo, el aliento al que encerramos cuando inflamos un globo interpela al cuerpo entero, al movimiento. En verdad, a un tiempo que circula, se detiene, repercute, pulsa, susurra, enmudece.

Desde la sutileza de este gesto, la activación plantea un primer encuentro con las piezas que integran la obra de Elba Bairon. “La certeza del trazo, la mancha silenciosa, el vacío que deja”, son conceptos que Francisco recupera de una entrevista a la artista y los organiza como un poema breve, mínimo que regulariza las secuencias, ablanda la arquitectura, interrumpe la línea, y oscurece las geometrías.

Francisco Pourtalé. Actor, director, dramaturgo y docente teatral.

/por

Activaciones sobre Comunicaciones (1968-2022)

,

En el marco de la exposición Margarita Paksa. Hacia un arte revolucionario los días 23 de abril y 7 de mayo se desarrollarán una serie de activaciones sobre la obra Comunicaciones (1968-2022) emplazada en la vidriera del Centro de Arte UNLP. La actividad estuvo a cargo de les performers Florencia Roig y Gaga Lugo Parodi.

/por

Programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas
Coordinación: Francisco Lemus

,

Docentes: Agustina Paz Frontera, Jimena Ferreiro, Irina Garbatzky, Lia Colombino, Lucas Di Pascuale y Dani Zelko

De mayo a noviembre de 2022
Inicio: 03.05.2022
Inscripción: del 14.03.2022 al 15.04.2022

Descargar Programa de formación 2022

Las imágenes, dentro y fuera de cualquier organización específica de la historia y la teoría del arte, son artefactos transitivos, se trasladan de persona a persona, en grupos, migran temporalmente, se aparecen de manera imprevista y nos toman por sorpresa. Su opacidad es un contrapunto que puede ser dañino o todo lo contrario, abrir mundos, trazar espacios para el pensamiento, intensificar y acelerar estéticas. Hacer política. Es decir, las imágenes asumen un lugar central en la comunidad, pero también la contradicen, nos revelan las claves para ponerla en discusión y demostrarnos que, ante todo, son mucho más que un simple reflejo. Claro que estos movimientos siempre necesitan de las palabras, las ideas, los entornos. Sin adentrarnos de manera exhaustiva en la vida de las instituciones, podemos decir que las prácticas curatoriales y las actividades que conllevan a su desarrollo posicionan saberes y producen representaciones que intervienen en la construcción de identidades y posiciones subjetivas, imaginarios y discursos que atraviesan al territorio.
En el actual contexto de pandemia, la pregunta por la vida colectiva se ha vuelto central para pensar la idea de un país, pero también las formas cotidianas más pequeñas. Lo social ha comenzado a reinventarse. Hay incertidumbre, pero también alianzas momentáneas que garantizan la existencia. Desde el Centro de Arte de la UNLP, en colaboración con el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL) nos proponemos un desafío clave en la formación de sujetos críticos interesados en trabajar sobre las imágenes: sospechar de nuestras certezas.
En el marco de las actividades de formación y artes visuales, este programa tiene como objetivo indagar en la dimensión que ofrecen el arte, la literatura, la curaduría y los debates en torno al feminismo y las disidencias sexuales a través de acciones que tienden a desajustar las convenciones y los ideales sobre lo que es un museo, un patrimonio, la historia y quién la escribe. Asimismo, se propone interpelar la propia práctica artística a través de cursos que permitan ampliar el horizonte del arte contemporáneo por medio de la escritura y el dibujo.

• Destinataries
Estudiantes, docentes, investigadores de arte, literatura, ciencias sociales y comunicación. Artistas, diseñadores y realizadores.

• Requisitos para la inscripción
Inscripción: del 14 de marzo al 15 de abril

Se podrá cursar con inscripción previa a:
https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSf0ObKP9Sc-P8oF3a3N16Mn95WRVBZDczrogSxuuIDS—UFw/viewform
-Disponibilidad horaria para cursar el programa de manera completa
-Se otorgará un certificado de asistencia por el programa completo a aquelles que cumplan con el 75% de la cursada de cada seminario.

• Documentación a presentar
-Curriculum Vitae (formato abreviado)
-Carta de motivación dirigida a las autoridades del Centro de Arte

• Consultas: formacioncentrodearteunlp@gmail.com
Asunto: Inscripción

• Evaluación
Un comité integrado por la Prof. Mariel Ciafardo (Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP y Directora de proyectos de investigación en el IPEAL), la Dra. Natalia Giglietti (Directora del Centro de Arte de la UNLP) y el Dr. Francisco Lemus (Coordinador del Programa) seleccionarán sobre una vacante de 45 personas como máximo para cursar cada seminario.

• Horario
Martes 18:00h a través de la plataforma Zoom

Cursos

Del 3 al 24 de mayo
Escenas de desacuerdo. Salir por la tangente feminista
Por Agustina Paz Frontera

En este seminario nos proponemos construir un punto de vista desde donde pensar escenas de lo social irresueltas o que despiertan disputas. La pregunta feminista aparece como un método para desviarse de la disyuntiva y construir alternativas que escapen de la respuesta binaria a favor/en contra. A esto nos referimos cuando decimos: irse por la tangente feminista. Para ensayar este método recorremos cuatro escenas de lo social en las que se manifiestan dos posiciones antagónicas y damos vueltas en torno a ellas con preguntas que rompen la quietud de los posicionamientos esclarecidos. Abordamos anécdotas políticas, revistas culturales, expresiones artísticas y manifestaciones identitarias no vinculadas necesariamente con la agenda de los feminismos desde una mirada crítica, por la tangente feminista.

Del 7 al 28 de junio
(4) hipótesis de por qué la curaduría no es una disciplina
Por Jimena Ferreiro

Este curso propone revisar los modos en que la práctica curatorial construyó su propia genealogía problematizando las relaciones tácticas que entabla con la producción artística, la historia del arte, la crítica y la pedagogía. Asumiendo que las exposiciones son la materialidad del arte contemporáneo y la curaduría una forma de pensar estas producciones a través de hipótesis ensayadas en tiempo presente, este curso persigue el propósito de reflexionar acerca de la curaduría como herramienta para intervenir sobre el presente y generar un tipo particular de conocimiento entre campos.
Cada encuentro despliega un tópico diferente y articula problemáticas a través de estudio de casos. De este modo revisaremos las relaciones entre la curaduría y el discurso académico, las formas de mediación y la exégesis de la obra, la escritura poético-crítica y el giro pedagógico.

Del 2 al 23 de agosto
Relatos latinoamericanos en Berlín. Siglo XXI
Por Irina Garbatzky

Las migraciones, los exilios, las becas de estudio, los festivales y las ferias han sido algunos motivos hacia finales del siglo XX y durante las primeras décadas del XXI que llevaron hacia Berlín a varios escritores y escritoras de la literatura latinoamericana actual. Como ciudad-faro o ciudad-signo, el fenómeno nos permite retomar algunas claves teóricas para analizar las funciones que cumplen determinadas ciudades en la cultura e intelectualidad latinoamericana, nudos del mapa global que se convierten en significantes de experiencias múltiples y cosmopolitas. En este curso leeremos un corpus de diarios de viaje y narraciones berlinesas escritas por autores y autoras provenientes de Costa Rica, Cuba, México y Argentina.

Del 6 al 27 de septiembre
Curadurías parasitarias y de contrabando
Por Lia Colombino

En este curso, trataremos de aproximarnos de forma poética y hasta lúdica a la idea de curaduría, desplegando posibilidades semánticas: echar mano de estrategias poéticas que entiendan la práctica curatorial no como un ejercicio jerárquico sino más bien complementario de la práctica artística. Se trabajará con las ideas de lo parasitario y el contrabando como estrategias asociadas al territorio como lugar de enunciación: el Paraguay. Las consecuencias de la elección de estas estrategias curatoriales y sus metáforas aplicadas a casos particulares son el descentramiento de enfoques más convencionales que podrían no considerar experiencias diferentes y, a su vez, permiten un enfoque más preciso de prácticas situadas.

Del 4 al 25 de octubre
Asterisca con luciérnagas: desmontamos el dibujo
Por Lucas Di Pascuale

¿Cómo aparece el dibujo en las prácticas artísticas contemporáneas?
¿Cuáles son los diversos protagonismos del dibujo en esas prácticas?
¿Cómo es la enseñanza del dibujo y del arte desde las prácticas contemporáneas?
¿Cómo se abordan –desde la enseñanza aprendizaje– nociones de sentido en la práctica artística?

Al transitar estas preguntas de manera permanente, nos interesa desarrollar un programa de estudio de fuertes vínculos con el contexto. Mediante prácticas analíticas y de ejercitación, vamos a desmontar el dibujo en sus diferentes aspectos siguiendo las ideas de montaje y desmontaje desarrolladas, entre otros, por Georges Didi-Huberman. Propondremos enfatizar algunos de esos aspectos como una estrategia de reconocimiento y profundización de los mismos. Pensaremos aspectos del dibujo desde su entrecruzamiento y desde una enumeración que siempre es momentánea.
A priori, vamos a considerar dos series de aspectos del dibujo. Por un lado, tendremos en cuenta aquellos aspectos que, tanto desde la tradición como desde la práctica contemporánea, aparecen comunes a una diversidad de prácticas. Los denominaremos aspectos plurales: técnica, modelo, acción, relato, montaje, color, contexto. Por otro lado, consideraremos aquellos aspectos que son particulares en determinadas prácticas. Si bien podríamos pensar estos aspectos, que denominaremos singulares, como un listado infinito –y que en algunos casos se trata de profundizaciones de aquellos aspectos plurales–, nombramos aquí solo algunos a modo de ejemplo: documental, colectivo, científico, homenaje, azar, cuerpo, espacio.
En definitiva, estaremos proponiendo la práctica del dibujo como un cruce entre aspectos plurales y aspectos singulares. Inmersos en ese cruce, nos interesa acercarnos a nociones de sentido de la práctica artística. Un acercamiento que nos interesa pensar desde su proposición en espacios de enseñanza aprendizaje del dibujo y del arte en general.

Del 1 al 15 de noviembre (tres encuentros)
Contradicciones maestras
Por Dani Zelko

A partir de la escucha, este taller propone indagar en las personas a través de la escritura como un efecto de la vida privada y pública, de la actualidad y la memoria, de los acontecimientos políticos y lo social. Contradicciones maestras se propone observar la contradicción como un punto de partida que incentiva el pensamiento y la acción. ¿Qué nos avergüenza? ¿Cuáles son nuestras fallas? ¿Qué nos frustra? Son algunas de las preguntas que nos permitirán trabajar sobre las incomodidades como materia prima para experimentar con el lenguaje.

 

Coordinador

• Francisco Lemus. Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina. Es historiador del arte por la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) y doctor en Teoría Comparada de las Artes por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF). Es magíster en Curaduría en Artes Visuales por la misma universidad. Su tesis doctoral se titula Guarangos y soñadores. La Galería del Rojas en los años noventa. En el marco de una Beca Posdoctoral del CONICET, investiga las respuestas artísticas y políticas al VIH/sida en la posdictadura argentina. Es docente del Departamento de Estudios Históricos y Sociales de la Facultad de Artes de la UNLP y de la Maestría en Estudios y Políticas de Género de la UNTREF. Actualmente, se desempeña como curador asociado del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Publica artículos académicos y textos de divulgación en revistas nacionales e internacionales. Ha curado exposiciones en instituciones y museos de arte del país, entre estas Imágenes seropositivas (La Ene, 2017), Tácticas luminosas (Colección Fortabat, 2019) y Fuera de serie (MALBA, 2021).

Profesores

• Agustina Frontera. Periodista, escritora y productora. Vive y trabaja en Buenos Aires. Licenciada en Ciencias de la Comunicación (UBA) y magíster en Periodismo Documental (UNTREF). Co-directora de LatFem, Periodismo feminista. Fundadora de Ni Una Menos y de la Red de Periodistas Feministas de América Latina y El Caribe. Publicó los libros Una excursión a los mapunkies, Lila y el aborto (con la Revuelta), y los poemarios La central del sentir y Para llegar al piso. Dirigió el documental sobre la revista contracultural Cerdos y Peces, Este sitio inmundo. Condujo los micros audiovisuales feministas Caja de Herramientas. Recibió el Premio Lola Mora 2019 a la labor periodística en medios digitales y la beca de Periodismo de soluciones de la Fundación Gabo (2020).

• Jimena Ferreiro. Curadora e investigadora formada en el campo de la historia del arte, la crítica y la gestión cultural en la Universidad Nacional de La Plata, Universidad Nacional de las Artes y Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNLP-UNA-UNTREF). Actualmente es la Coordinadora de Planificación Museológica de la Dirección Nacional de Museos del Ministerio de Cultura de la Nación. Desde 2002 trabaja en diferentes instituciones culturales desarrollando proyectos expositivos y de investigación como el Centro Cultural Recoleta, el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, Macba-Fundación Aldo Rubino y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, donde se desempeñó como coordinadora del Departamento de Curaduría. Como profesional externa, ha colaborado en proyectos impulsados por el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), la Fundación Bienal del Mercosur, Americas Society, la Fundación Federico Klemm, entre otros. Ha recibido becas, subsidios y distinciones de la UNLP, UNTREF, Fundación Telefónica de Buenos Aires, Fondo Nacional de las Artes, y del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y la Ciencia.
Es profesora en la Universidad Nacional de La Plata y en la Universidad del Salvador. Escribe, participa con regularidad en jornadas, mesas redondas, jurado de premios, en espacios de formación de artistas y organiza encuentros de discusión en formato de seminarios y simposios. Es autora del libro Modelos y prácticas curatoriales en los años 90. La escena del arte en Buenos Aires (Libraria, 2019). Entre sus curadurías se destacan: Edgardo Antonio Vigo. Usina permanente de caos creativo, en colaboración con Sofía Dourron (El Moderno, 2016), Pablo Suárez. Narciso plebeyo, en colaboración con Rafael Cippolini (Malba, 2018), Lido Iacopetti. Imaginante popular, en colaboración con Ángeles Ascúa y Martín Legón (Barro, 2019), entre muchas otras.

• Irina Garbatzky. Vive y trabaja en Rosario, Argentina. Profesora en Letras y doctora en Humanidades y Artes (Mención Literatura) por la UNR. Es Investigadora Adjunta del CONICET, docente en la carrera de Letras y en la Maestría en Literatura Argentina por la Universidad Nacional de Rosario (UNR). Integra el Centro de Estudios de Teoría y Crítica Literaria, el Centro de Estudios en Literatura Argentina y el Grupo de Estudios Caribeños (UBA). Es co-gestora de la revista El jardín de los poetas. Revista de teoría y crítica de poesía latinoamericana y del sitio web Caja de resonancia. Es autora de Los ochenta recienvivos. Poesía y performance en el Río de la Plata (Beatriz Viterbo, 2013), Mínimo teatral (junto a María Fernanda Pinta, Editorial Libretto, 2021), Nuestros años ochenta (junto a Javier Gasparri, CETyCLI, HyA, UNR, 2021) y El prisma de Elba Bairon. Dibujos para Emeterio Cerro (junto a Francisco Lemus, Ivan Rosado, 2022). Es además autora de los libros de poesía Movimientos imposibles (Eveling, 2003), Huesitos (Tropofonía, 2013), Casa en el agua (Bokeh, 2016), El entrenamiento de la mente (Ivan Rosado, 2020) y del diario Medio metro cuadrado de coexistencia (Ombú Bonsai, 2013).

• Lia Colombino. Máster en Museología por la Universidad de Valladolid (2002). Realizó estudios en Santiago de Chile en el Magíster de Estudios Culturales en la Universidad ARCIS y se encuentra realizando el Doctorado en Artes por la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires. Asistió a capacitaciones sobre museos, cultura, patrimonio cultural, archivos, catalogación, curaduría y conservación en Buenos Aires, Santa Cruz de la Sierra, Cartagena de Indias y Asunción. Fue parte de los Seminarios Identidades en Tránsito y Crítica Cultural de Ticio Escobar (2001-2008). Coordina desde 2009 el Seminario Espacio/Crítica y es docente en el Instituto Superior de Arte Dra. Olga Blinder (ISA) de la Universidad Nacional de Asunción. Actualmente ocupa el cargo de directora del ISA (desde 2018). Tiene a su cargo la cátedra de Historia del Arte Paraguayo I desde 2013. Desde 2000 trabaja en el Centro de Artes Visuales/Museo del Barro en diferentes funciones: difusión, montaje de exposiciones, documentación, archivo, curaduría, conservación y catalogación. En 2008 asume la dirección del Museo de Arte Indígena dependiente del CAV/Museo del Barro. Realizó en esta institución varios trabajos de curaduría y diseño de montaje. Ha escrito artículos para diversos medios e instituciones y colaborado en proyectos culturales. Es cofundadora del colectivo Ediciones de la Ura, integrante de la Red Conceptualismos del Sur y actual presidente de AICA Capítulo Paraguay. Su producción poética fue publicada por Ediciones de la Ura y en antologías tanto en Paraguay como en el exterior.

• Lucas Di Pascuale. Artista y docente. Realizó estudios de grado y posgrado en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, donde actualmente se desempeña como profesor, y continuó su formación en diversas residencias en arte. En sus ensayos, el dibujo y la práctica editorial tienen un marcado protagonismo. Entre ellos, se destacan Los colores de los días, Querido margen, 2222, Lindes para el viento (conjuntamente con Soledad Sánchez Goldar), Yerba mala, Colecciones, López y Partido Transportista de Votantes. Ha publicado los libros Ritmo hormiga, Lakshmi Nivas (junto con Sandra Abichain), Cartel, Ijota, Ali/Lai Lau/Zip, Distante, Hola tengo miedo, Taurrtiissttaa y H31 (junto con Gabriela Halac). Coordinó el Taller caminante de dibujo, la clínica en artes visuales Taller Horizontal y Comuna, prácticas artísticas con jóvenes y adolescentes (junto con Sandra Abichain). Se desempeñó como Coordinador de Artes Visuales en el Centro de Producción e Investigación en Artes de la Universidad Nacional de Córdoba. Actualmente, coordina junto con Sandra Anichain la Residencia en dibujo azulmontaña. Su obra ha sido mostrada en exposiciones individuales y colectivas en Buenos Aires, Córdoba, Rosario, San Miguel de Tucumán, Lima y Belo Horizonte.

• Dani Zelko. Artista visual, poeta, músico, traductor y docente. Vive y trabaja en Argentina. Su obra está hecha de palabras y personas, que se juntan a través de diversos procedimientos para generar acontecimientos y publicaciones en los que las tensiones políticas y los experimentos del lenguaje se retroalimentan. Desde 2015 lleva a cabo el proyecto Reunión. Realizó colaboraciones con espacios como Museo Reina Sofía (España), Fundación Proa (Argentina) y Bikini Wax (México). Dio numerosas conferencias y presentaciones en instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, Universidad de Nueva York y Universidad de Princeton (EE.UU.), Casa de las Américas (Cuba) y Museo Tamayo (México). Publicó once libros, algunos de los cuales fueron traducidos al inglés, portugués, alemán, italiano y francés. Su obra fue expuesta en Argentina, Paraguay, Cuba, México, Estados Unidos y Canadá. Se desempeña como docente en museos, universidades, espacios de formación artística y talleres, como el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Universidad Nacional de las Artes, SOMA (México) y Universidad de Nueva York (EEUU). Recibió reconocimientos del Visible Award (Estados Unidos), Premio Braque y Fondo Nacional de las Artes (Argentina), entre otros. Es parte del Proyecto Secundario “Liliana Maresca” en Villa Fiorito. Se formó en el Centro de Investigaciones Artísticas y con Diana Aisenberg.

Evaluadores

• Mariel Ciafardo. Profesora en Historia de las Artes Visuales, investigadora, docente y artista visual. Profesora Titular Ordinaria de las cátedras de Lenguaje Visual 1 y 2 B en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Profesora estable de la carrera de posgrado Especialización en Lenguajes Artísticos (FDA-UNLP). Docente-Investigadora Categoría 1. Actualmente dirige el proyecto de investigación “Artes visuales contemporáneas latinoamericanas. Los vestigios formales del pasado en el presente”. Directora de tesis de posgrado y de becarios de investigación. Ha dictado cursos de posgrado en distintas universidades nacionales. Miembro del Comité Académico del Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL). Autora de libros, capítulos de libro y de artículos en revistas especializadas. En 2020, publicó el libro La enseñanza del Lenguaje Visual. Bases para la construcción de una propuesta alternativa. Evaluadora de proyectos de investigación y de becas e integrante de jurados de certámenes, salones, concursos y tribunales de tesis de grado y posgrado. Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP. Período 2018-2022.

• Natalia Giglietti. Doctora en Artes, licenciada y profesora en Historia de las Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP) y especialista en Crítica de Artes de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Se desempeña como Titular ordinaria en la cátedra Teoría de la Historia y como Jefa de Trabajos Prácticos en la cátedra Lenguaje Visual IIB (FDA-UNLP). Fue becaria de investigación tipo A y B de la UNLP. Sus últimas publicaciones trabajan en torno a los archivos personales de artistas. Dirige NIMIO. Revista de la cátedra Teoría de la Historia (FDA-UNLP), publicación especializada en arte y archivos, y el proyecto de investigación Arte, archivos y cultura visual entre 1980 y 2001. Acervos personales de artistas visuales y de diseñadores de la ciudad de La Plata (PPID-UNLP). Entre 2011 y 2014, fue Directora de Arte de la Prosecretaría de Arte y Cultura de la UNLP. Actualmente, es Prosecretaría de Arte de la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP.

Seleccionades

Alicia Yael Pernitchi
Amira Yurie
Ana Sonderéguer
Andrea Dudier
Antonio Zucherino
Candela Pietropaolo
Carolina Balquinto
Catalina Fernanda Featherston
Cecilia Cappannini
Cecilia Cordi
Eric Javier Markowski
Esteban Falcon
Eva Costello
Fabricio Lapitzondo
Félix Torrez
German Gonzalez Holc
Gina Torchia
Guillermina Paz Larrocea
Huenú Peña
Juan Justo
Julissa Erretegui
Luis Guarracino
Maia Gattás Vargas
Maité Soledad Rodriguez
Marianela Lucrecia Solís
Mariela Huerta
María Menegazzo Cané
Matías Sebastián Giacomino
Mayra Ayelen Rodriguez
Miranda Sanchez
Noel Rosas
Noelia Toscano
Pablo Sinaí
Paloma Ludueña
Paulo Burgos
Rocío Alé Ocampo
Sofía Culzoni
Valentina Valli
Vanesa Vicencio Dubost
Victoria del Valle Eiriz
Virginia Sotti

 

/por

Taller de pintura decorativa
A cargo de Jazmín Giordano

,

Sábado 30.04.22
16:00 a 18:00h
Sala A

Inscripción: https://forms.gle/FaR9T2wpu6KTtaJB8
Actividad gratuita. Cupos limitados.

En el marco de la exposición Margarita Paksa: Hacia un arte revolucionario, curada por Florencia Qualina se invita a la artista Jazmín Giordano a realizar este taller.
Esta iniciativa surge mediante el vínculo entre la serie de pinturas Las Flores de Margarita Paksa y la obra de Jazmín Giordano, las cuales habilitan preguntas acerca del rol de la mujer con la pintura decorativa.
Los asistentes realizarán paso a paso una obra de pequeño formato con un motivo prediseñado y característico del arte decorativo. De este modo, el taller les otorgará una aproximación a las técnicas de la pintura decorativa. No hace falta tener experiencia previa. Los materiales están incluidos.

 

Jazmín Giordano (Buenos Aires, 1984). Se formó en la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires. Su práctica se sitúa en la intersección entre pintura, video e instalación y su interés está en los espacios de difusión de arquetipos tradicionales y lugares comunes que atraviesan la cultura “occidental y cristiana”. Desde 2007 trabaja activamente en el campo de las artes visuales. Con su obra ha participado en bienales, residencias, salones, exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Chile, Uruguay y México. Ha recibido premios y becas nacionales.

 

/por

Todo es dibujo
Charla

Sábado 23.04.22
18:00h
Sala B

En el marco de la exposición Margarita Paksa: hacia un arte revolucionario, la curadora Florencia Qualina conversará con Brenda Reninson, Cabe Mallo y Walter Di Santo, ex estudiantes de Margarita Paksa. Margarita fue titular de la cátedra de Dibujo Complementaria II, III y IV desde el año 1987 hasta el año 2002 en la Facultad de Artes de la UNLP.

 

Florencia Qualina es curadora y crítica independiente, sus investigaciones se centran en el arte moderno y contemporáneo. Integra el equipo curatorial de BIENALSUR 2021. Fue curadora de Silvia Torras. Resplandor. 1960-1963 en el Museo Sívori (2019); Carolina Antoniadis. La estampa en el campo expandido en el Museo Nacional del Grabado; Desarme en la Fundación Klemm (2018). Co -curó las ediciones 2017 y 2019 del Premio Braque en el Centro de Arte Contemporáneo-Muntref. Entre 2010 y 2012 trabajó en el Archivo Kenneth Kemble, ha sido curadora de la exhibición Kenneth Kemble. Archivo, en la Embajada Argentina en París en 2012. Escribió en libros dedicados a Diego Bianchi, Mariana Tellería, Magdalena Jitrik, Miguel Harte. Editó junto a Federica Baeza el libro Germaine Derbecq. Lo que es revelación. Textos críticos y curatoriales (Iván Rosado, 2020). Junto a Vanina Scolavino e Inés Katzenstein editó el libro Experiencias 2008-2018. Programa de Artistas (Universidad Torcuato Di Tella, 2020). Publicó los libros Subsuelos (Adriana Hidalgo, 2017) y La vida activa. Un ensayo sobre cuerpo y pensamiento en el arte argentino (Fundación Foro del Sur). Vive y trabaja en Buenos Aires.

Brenda Renison es artista visual, docente e investigadora. Profesora en la Facultad de Artes de la UNLP y de la Escuela Municipal Bellas Artes de Quilmes. Diplomada en gestión de proyectos culturales de la Universidad Nacional de Quilmes. Participa en exposiciones de arte y concursos. Recibió distinciones entre las últimas el premio Cámara de Senadores de la Provincia de Buenos Airess en el salón de arte Emilio Petorutti La Plata.

Cabe Mallo nació en 1968, Argentina. Es profesor y licenciado en Artes Plásticas de la UNLP, ámbito en el que actualmente ejerce la docencia. Se desarrolla como artista visual, actor, teatrista y performer.

Walter Di Santo. Licenciado y profesor en Artes Plásticas; abogado por la UNLP, donde actualmente es Profesor Titular en la Facultad de Bellas Artes en la Cátedra de Estética desde 1995. Es Profesor Titular de Gestión y Legislación de Museos en la Universidad Nacional de Avellaneda. Es Co Director del Museo de Arte Contemporáneo Beato Angélico y Secretario de Extensión de la Universidad Católica de La Plata. Su actuación y formación profesional le han permitido curar más de 80 muestras anuales, tanto en el país como en el extranjero. En el ámbito de la plástica intervino en numerosas exposiciones individuales y colectivas desde 1987,  tanto en el país como en el exterior (Londres, Florencia, París, Viareggio, La Haya, Maastricht, Lucca, Milán, etc). En 1995 pintó la Cúpula de La Iglesia San Roque de la ciudad de La Plata. Poseen sus pinturas numerosos museos, entre ellos: MACLA (Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano), MUMART (Museo Municipal de Arte de La Plata), Museo Irureta de Tilcara, Museo Catedral, Museo Pettoruti, Museo de Tandil, Fundación Le Corbusier en París, Universidad Católica de Milán, Casa Argentina en Roma, Embajada Argentina en Italia, etc. En 2001 su óleo Virgen de la sonrisa es incorporado a las colecciones Vaticanas en Roma, en 2013 recibe su Virgen de la Ternura el Papa Francisco. En 2021 sus obras fueron expuestas en la Fragata Libertad durante su viaje a Chile, Perú, Uruguay y Brasil; en 2022 partirá la fragata con su obra a Norteamérica y Europa. Como investigador en arte ha realizado varias investigaciones con Rosa María Ravera (ex Presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes), hoy dirige investigaciones e investigadores en la UNLP, UCALP y CONICET. Ha escrito y participado en numerosas publicaciones. Es miembro del ICOM, de MUSAS, ex presidente de Pro Arte La Plata (2017), y ex presidente de la Asociación de Artistas Plásticos de la Provincia de Buenos Aires (2013/2016), y Actualmente es Presidente de ADiMRA (2016/2023) – (Asociación Civil de Directores de Museos de La República Argentina). Distinguido en 2010 “Por su contribución y Trayectoria en el desarrollo y conservación de la Cultura”. En 2018 recibió el premio “Honra” y en 2019 el premio Musas, entregado por sus pares. En 2022 fue distinguido como Jurado de la V Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Argentina.

/por

Visita guiada: Margarita Paksa. Hacia un arte revolucionario
Recorrido junto a Florencia Qualina

Sábado 09.04.22
17:00h
Sala B

El Centro de Arte de la UNLP propone un recorrido junto a Florencia Qualina, curadora de la exposición Margarita Paksa. Hacia un arte revolucionario.

 

/por

La casa simbólica. Visita guiada a cargo de Rodrigo Alonso

Viernes 01.04.22
18:00h
Sala C

Este viernes 1º de abril como cierre de la exposición La casa simbólica, el curador, Rodrigo Alonso, brindará una charla sobre la producción de la artista cuya producción, desde 2013, se vincula con la investigación sobre las huellas de la masonería en el entramado urbano de la ciudad de La Plata.

“Toto Blake recurre a los planos de la ciudad de las diagonales y a las fotografías de los edificios públicos que marcan, con su carácter monumental, la impronta pública enraizada en el armazón institucional. Sobre estas imágenes realiza, principalmente, dos tipos de operaciones. En algunas, dibuja símbolos masónicos que luego cala con un instrumento cortante produciendo un juego de llenos y vacíos, o de capas superpuestas, que conmueven la rectitud de los trazados y la solidez de las construcciones reproducidas. En otras, aplica una capa de metacrilato que copia las fachadas de los edificios – o partes de ellas – y luego las martilla hasta quebrarlas, dejando una maraña de grietas sobre las otrora elegantes alzadas de los palacios de gobierno” (Rodrigo Alonso, 2022).

/por

Paula Toto Blake. La casa simbólica
Curaduría: Rodrigo Alonso

Inauguración: sábado 05.03.22
19:00h
Del 05.03.22 al 01.04.22
Sala C

Obras exhibidas

Aunque todavía existen algunas dudas sobre la fundación, diseño, planificación y ejecución de las obras que dieron origen a la ciudad de La Plata, desde la colocación de su Piedra Fundamental en noviembre de 1882, casi nadie discute que sus dos grandes impulsores, el gobernador Dardo Rocha y el ingeniero Pedro Benoit, pertenecieron a logias masónicas.
Estas agrupaciones, que proliferaban por entonces a lo largo del territorio argentino, estaban organizadas sobre fuertes valores morales que se imbricaban de manera especial con las labores de la arquitectura, con sus materiales, ideas y herramientas. La figura del constructor, con su habilidad para erigir edificios y ciudades, encarnaba para ellos el modelo de la transformación social según otros pilares y andamiajes: los de las buenas normas y conductas. De ahí que muchos elementos vinculados a la actividad proyectual, como las reglas, las escuadras y los compases, fueran convertidos en símbolos de los ideales de la masonería.
Reglas, escuadras y compases eran, además, los instrumentos capaces de dar vida a una geometría sagrada de trasfondos religiosos y filosóficos. Como sucedía por lo menos desde Pitágoras, los masones vieron en la geometría una representación de verdades universales, de razón y de perfección, que quisieron trasladar al orden social. Esta simbología aparece, por lo general, de manera subrepticia aunque insistente en sus producciones, como una suerte de mensaje secreto legado a las generaciones futuras.
En 2013, Paula Toto Blake comienza a investigar las huellas de la masonería en el entramado urbano de su ciudad natal, en un contexto emotivo y personal cargado de símbolos. En marzo de ese año había inaugurado la exposición Fragilidad en el Centro Cultural Recoleta, con imágenes de un cementerio y de objetos e interiores de edificios destruidos, transformados en voceros de la evanescencia de la condición humana. Pero en abril, cuando La Plata quedó sumida bajo el agua a raíz de un temporal, esas obras y la investigación que comenzaba cobraron un rumbo y un sentido por completo diferentes.
Para su pesquisa, Toto Blake recurre a los planos de la ciudad de las diagonales y a las fotografías de los edificios públicos que marcan, con su carácter monumental, la impronta pública enraizada en el armazón institucional. Sobre estas imágenes realiza, principalmente, dos tipos de operaciones. En algunas, dibuja símbolos masónicos que luego cala con un instrumento cortante produciendo un juego de llenos y vacíos, o de capas superpuestas, que conmueven la rectitud de los trazados y la solidez de las construcciones reproducidas. En otras, aplica una capa de metacrilato que copia las fachadas de los edificios –o partes de ellas– y luego las martilla hasta quebrarlas, dejando una maraña de grietas sobre las otrora elegantes alzadas de los palacios de gobierno. Unas y otras comparten el destino de la herida, de la destrucción. Hay, en ambos casos, un enfrentamiento a la autoridad de esos emblemas urbanos y arquitectónicos que resguardan, y muchas veces disimulan, las opresiones de poderes que no quieren ser vistos.
Sin embargo, el sentido abierto de estas operaciones se torna más terrenal cuando se observan a la luz de los acontecimientos de abril de 2013. Porque el corte –la herida– deja de ser tan solo una herramienta conceptual para mentar a un cuerpo social e individual –el de la propia artista, nacida en esa ciudad y con familiares residiendo allí– atravesado por el dolor de la desidia y la indiferencia gubernamental.
Cuando Pedro Benoit presentó los planos de la ciudad de La Plata en la Exposición Universal de París de 1889 –la misma que vio nacer a la Torre Eiffel– obtuvo una medalla de oro a la ciudad del futuro y otra a la mejor construida. Esos logros coronaban su convicción en los ideales masónicos y su fe en el progreso social impulsado desde las acciones rectoras del Estado. Un siglo y cuarto después, esas acciones tienen la forma de un trazado urbano mudo y de edificios atónitos ante la capitulación de las protecciones básicas que ese Estado debería proveer.
Así, las obras de Paula Toto Blake no responden solo a una vocación documental sino que establecen las arenas de un conflicto. Un conflicto entre pasado y presente, entre convicciones morales e indolencia, entre silencio y elocuencia. Pero quizás el conflicto más agudo surja de la confrontación entre un mundo que creía en valores, razón y sabiduría, y el más liso y llano baño de realidad de nuestro tiempo. Un tiempo en el cual lo perenne y el mensaje a las futuras generaciones choca con lo que en definitiva somos: vulgarmente contingentes.

Rodrigo Alonso

 

Paula Toto Blake (La Plata, 1972). Vive y trabaja en Buenos Aires. Es licenciada en Artes Plásticas por la Facultad de Artes, Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Realizó estudios de perfeccionamiento con Eduardo Medici, Sergio Bazan, Gumier Maier y Monica Giron. Su obra se desarrolla en los límites de la fotografía, objetos e instalaciones. Realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina y en el exterior. Ha exhibido su trabajo en museos, centros culturales y ferias de arte, entre ellas: Cruces en el Río de La Plata (2021), curadora Carina Cagnolo, FOLA (Fototeca Latinoamericana, Buenos Aires); La casa simbólica (2021), curador Rodrigo Alonso, MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires); Fragilidad, curador Rodrigo Alonso, Centro Cultural Recoleta; Instalación carnívora (2012), MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires); La casa como amenaza (2010), curadora Laeticia Mello, Galería Sicart (Barcelona); Adiós a las sombras (2009), Galeria Arte x Arte; Behind the apparent (2006), Sculpture Space (Nueva York); Bunker (2003), MPBA (Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti”.
Realizó una Residencia Artística en La Verdi CDMX México con Ana Gallardo, en 2019. Obtuvo la beca intercampos II Fundación Telefónica, en 2006, el Premio Universidad de Bologna, en 2006. Realizó la residencia Artística, Arteleku, en San Sebastián, en 2004. Obtuvo el subsidio a la Creación Artística Fundación Antorchas, en 2003.

Rodrigo Alonso. Licenciado en artes especializado en arte contemporáneo y nuevos medios. Investigador y teórico en el campo del arte tecnológico, es un referente de la historia y el presente de esta producción en América Latina. Ha publicado numerosos ensayos y libros sobre el tema; en 2015 publicó una recopilación de sus principales textos en el libro Elogio de la Low-Tech. Historia y estética de las artes tecnológicas en América Latina (Luna Editores, 2015). Como curador independiente ha organizado exhibiciones en diferentes ciudades del mundo; entre sus exhibiciones recientes se encuentran: Fotografía Argentina 1850-2010. Contradicción y continuidad (2018), The Getty Museum, Fundación Proa, Buenos Aires; Pensar en abstracto (2017), Museo de Arte Contemporáneo, Buenos Aires; Pop, realismos y política. Brasil/Argentina. 1960 con Paulo Herkenhoff (2012-2013), Fundación Proa, Buenos Aires, Museo Oscar Neimeyer, Curitiba, GAMeC (Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo), Bérgamo, Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro; Transitio_MX. Biomediations con Sarah Cook(2013), Centro Nacional de la Imagen/Laboratorio de Arte Alameda, México; Arqueologías a destiempo (2013), Galería Gabriela Mistral, Chile; Relatos de resistencia y cambio (2010), Frankfurter Kunstverein, Fráncfort. En 2011 fue curador del Pabellón Argentino de la LIV Bienal de Venecia. Es profesor universitario de grado y postgrado y asesor de fundaciones artísticas internacionales.

/por

32º Muestra Anual de Fotoperiodismo Argentino

Conocé sobre ARGRA

La Muestra Anual de Fotoperiodismo Argentino propone un recorrido narrativo a partir de las imágenes más representativas del año anterior. En esta edición, se presentan las fotografías de 103 autores, registradas durante el 2020, sobre los hechos más relevantes en materia de: actualidad en pandemia, deportes, retratos, vida cotidiana, política, naturaleza, ambiente, arte y espectáculos, ocurridos en el país y el mundo. Es la muestra más importante de fotoperiodismo que se organiza en nuestro país y en la región.

Desde sus inicios, a principio de 1981, y hasta la actualidad, la amplia concurrencia de público y la gran repercusión periodística han convertido a esta Muestra de Fotoperiodismo Argentino en un acontecimiento único en la historia de la Fotografía Argentina, una cita ineludible para acceder al trabajo colectivo de las reporteras y los reporteros gráficos.

En el Centro de Arte de la Universidad Nacional de La Plata se mostrarán más de 200 fotografías seleccionadas para la exposición, entre las 2300 imágenes enviadas por reporteras y reporteros de todo el País.

Comité Editor: Alejandra López, Ricardo Ceppi, María Eugenia Cerutti, Diego Aráoz y Franco Trovato Fuoco.

Apertura:
Martes 21.12.21
19h
Centro de Arte UNLP, calle 48 entre 6 y 7, La Plata

Días y horarios de visita:
Miércoles 22.12, jueves 23.12 y domingo 26.12 de 15:00 a 20:00h
Lunes 27.12, martes 28.12, miércoles 29.12 y jueves 30.12 de 15:00 a 20:00h

/por

BIENALSUR: KM 52 Punto de fuga

Conocé BIENALSUR

KM 52
Punto de fuga

Artistas: Adriana Carambia (ARG) Sève Favre (CHE) Patricio Gil Flood (ARG) Raúl “Pájaro” Gómez (ARG) Anahita Norouzi (IRN) Edison Peñafiel (ECU) Josef Schulz (DEU)

Curaduría: Marina Aguerre
Inicio: 9 de septiembre 12h

KM 52
Vanishing Point

Artists: Adriana Carambia (ARG) Sève Favre (CHE) Patricio Gil Flood (ARG) Raúl “Pájaro” Gómez (ARG) Anahita Norouzi (IRN) Edison Peñafiel (ECU) Josef Schulz (DEU)

Curatorial work: Marina Aguerre
Opening: September 9th 12p.m.

 

EL CENTRO DE ARTE DE LA UNLP ESTÁ # BIENALSUR

La exposición Punto de fuga, en el marco de BIENALSUR, es un proyecto interinstitucional entre  la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) y la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). La colaboración profesional y académica entre ambas universidades, hicieron posible el desarrollo de esta exposición internacional que ocupará todas las plantas del Centro de Arte UNLP desde el 9 de septiembre hasta el 18 de diciembre de 2021.

El equipo del Centro de Arte estuvo a cargo de la producción y de la realización de una gran cantidad de obras que componen la exposición Punto de fuga, curada por Marina Aguerre. A su vez, realizó las tareas de montaje y de diseño que requieren una exhibición internacional de semejante envergadura.

Durante los meses en los que se podrá visitar Punto de fuga, se organizarán una serie de programas públicos (talleres, charlas y activaciones) que se proponen estimular la reflexión sobre la percepción del espacio y su reconfiguración con la pandemia, para establecer así, una relación con la idea curatorial de Punto de Fuga.

THE UNLP CENTRE OF ART IS # BIENALSUR

The Vanishing Point exhibition, within the framework of BIENALSUR, is an inter-institutional project between the National University of Tres de Febrero (UNTREF) and the National University of La Plata (UNLP). The professional and academic collaboration between both universities made possible the development of this international exhibition that will occupy all the floors of the UNLP Centre of Art from September 9 to December 18, 2021.

The Centre of Art team was in charge of the production and realization of a large number of works that make up the exhibition Vanishing Point, curated by Marina Aguerre. At the same time, he carried out the assembly and design tasks that an international exhibition of such magnitude requires.

During the months in which you can visit Vanishing Point, a series of public programs (workshops, talks and activations) will be organized that aim to stimulate reflection on the perception of space and its reconfiguration with the pandemic, in order to establish a relationship with the curatorial idea of Vanishing Point.

 

BIENALSUR

La 3ª edición de BIENALSUR –Bienal Internacional de Arte Contemporáneo del Sur es un proyecto incubado y desarrollado en la UNTREF para el mundo, que de julio a diciembre de 2021 se realiza en más de 120 sedes en 50 ciudades de 23 países con la participación de más de 400 artistas.

BIENALSUR es una bienal de arte contemporáneo multipolar que funciona como una red de colaboración asociativa entre museos, centros culturales y universidades de todo el mundo, que surge del Sur del Sur como un ejercicio de indisciplina. Llama a repensar lo instituido, buscando contribuir al surgimiento de nuevas lógicas de circulación artística y social a escala local y global. Al construir una red horizontal, BIENALSUR vincula en igualdad de condiciones a artistas, curadores y diversos grupos sociales de diferentes orígenes y trayectorias, construyendo así nuevos circuitos de intercambio que solo tienen lugar en el marco de este proyecto. Inédita en su metodología, BIENALSUR incluye obras y proyectos curatoriales que son el resultado de una convocatoria abierta internacional, junto con invitaciones y obras de colecciones locales. Esta estrategia curatorial única se traduce en exposiciones, interferencias en las colecciones de los museos e intervenciones en los espacios públicos que responden a las particularidades de cada institución asociada, a la vez que fomentan, a través de sus ejes curatoriales, una conversación internacional sobre los temas más urgentes de nuestro tiempo. Para la edición de 2021, éstos serán: Conciencia ecológica, Modos de habitar, Políticas del arte,Tránsitos y migraciones y Constelaciones fluidas.

BIENALSUR construye una cartografía propia que se abre a los 5 continentes valorando lo local en lo global, la singularidad en la diversidad, en la defensa del derecho a la cultura. Su red se extiende desde el Km 0 del MUNTREF, en Buenos Aires, hasta la Universidad de las Artes de Tokio, Japón (KM 18370.3). Esta modalidad única, basada en una dinámica horizontal y colaborativa, genera, en un momento de cierre o postergación de grandes exposiciones internacionales, la posibilidad de sostener esta edición en medio de la pandemia del Covid-19 abriendo exposiciones en cada sede según lo permitan las condiciones sanitarias.

La primera inauguración tuvo lugar el 8 de julio en el Museo Provincial de Bellas Artes de Salta, Argentina, con la exposición La escucha y los vientos, que celebra el arte de las primeras naciones de la región. Un calendario escalonado de inauguraciones continuará hasta diciembre de 2021 alcanzando un alto grado de simultaneidad global. Paralelamente a las acciones in situ, los Programas Públicos de BIENALSUR –incluyendo podcasts, mesas redondas, contenidos en redes sociales–, su Sede Virtual, la app BIENALSUR y la Tv online permitirán a cualquier persona de todo el mundo la posibilidad de participar en estos debates y de disfrutar de las exposiciones a distancia.

Por todas estas razones, sus singularidades y el compromiso con diversos públicos también el Centro de Arte de la Universidad de La Plata está BIENALSUR. 

BIENALSUR

The 3rd edition of BIENALSUR –the International Biennial of Contemporary Art of the South is a project incubated and developed at UNTREF (Universidad Nacional de Tres de Febrero) to the world, which from July to December 2021 is held in more than 120 venues in 50 cities in 23 countries with the participation of more than 400 artists.

BIENALSUR is a multipolar contemporary art biennial working as a network of associative collaboration between museums, cultural centers, and universities around the globe, stemming from the South of the South as an exercise of indiscipline. It calls to rethink what has been instituted, seeking to contribute to the emergence of new logics of artistic and social circulation on a local and global scale. Because it builds a horizontal network, BIENALSUR links artists, curators, and diverse social groups of different origins and trajectories on an equal footing, thus building new circuits of exchange that only take place within the framework of this project. Unprecedented in its methodology, BIENALSUR includes works and curatorial projects that are the result of an international Open Call, together with invitations and works from local collections. This unique curatorial strategy spreads out in exhibitions, interferences in museums’ collections, and interventions in public spaces that respond to the particularities of each partner institution while fostering, through its curatorial axes, an international conversation on the most pressing issues for our time. For the 2021 edition, these will be: Ecological Awareness, Ways of Living, Art Politics, Transits and Migrations, and Fluid Constellations.

BIENALSUR builds a cartography of its own that opens up to the 5 continents valuing the local in the global, singularity in diversity, in the defense of the right to culture. Its network extends from the KM 0 at MUNTREF, in Buenos Aires, to the University of the Arts in Tokyo, Japan (KM 18370.3). This unique modality, based in a horizontal and collaborative dynamics, generates, at a time of closure or postponement of major international exhibitions, the possibility of sustaining this edition in the midst of the Covid-19 pandemic by opening exhibitions in each venue as sanitary conditions permit.

The first opening took place on July 8 at the Museo Provincial de Bellas Artes de Salta, Argentina, with the exhibition La escucha y los vientos, which celebrates the art of the region’s first nations. A staggered calendar of openings will continue until December 2021 reaching a high degree of global simultaneity. In parallel to actions on site, BIENALSUR’s Public Programs -including podcasts, round tables, social media content-, its Virtual Venue, the BIENALSUR app and online Tv will allow anyone around the globe the possibility of partaking on these discussions and of enjoying remote exhibitions.

For all these reasons, its singularities and the engagement with diverse audiences also the Centro de Arte de la Universidad de La Plata is BIENALSUR.

 

KM 52
Punto de fuga

Artistas: Adriana Carambia (ARG) Sève Favre (CHE) Patricio Gil Flood (ARG) Raúl “Pájaro” Gómez (ARG) Anahita Norouzi (IRN) Edison Peñafiel (ECU) Josef Schulz (DEU)

Curaduría: Marina Aguerre

En las últimas décadas, pone de manifiesto problemáticas irresueltas tanto en el plano de la política internacional como en el de las vivencias individuales y colectivas.

A pesar de ello, en el último bienio -signado por una pandemia mundial registrada con fruición por los medios masivos de comunicación- la indicación de “reparo en el hogar” repetida en ambos hemisferios parece haber obliterado la persistencia del problema, reforzando las desigualdades y borrando este fenómeno social del imaginario colectivo.

La continuidad y la urgencia de esta problemática contemporánea ha sido subrayada por las propuestas de los diversos artistas que integran esta exposición, contribuyendo así a rasgar el velo impuesto a la mirada: límites territoriales plausibles de ser dislocados a voluntad y puestos fronterizos en desuso, casi fantasmagóricos, contrastan con aquellas imágenes que ponen en evidencia la limitación y el control del movimiento de grupos de mujeres, hombres y niños en búsqueda de un lugar donde asentarse y vivir.

En paralelo, algunas estructuras aparentemente sólidas revelan la permanente búsqueda de una instalación ansiada.

La tensión entre sueños, deseos y realidad se vuelve objeto (piedra, bulto, casa); y en esa materialización cargada de recuerdos y proyectos de vida, se interpela al presente, al pasado y al futuro de cada ser humano.

En un mundo marcado por alambres y muros que separan personas, familias y pueblos, esta exhibición propone abordar el problema de los traslados y las migraciones contemporáneas desde una perspectiva sensible que invita a reponer -una vez más- la reflexión crítica sobre un tema que afecta y atañe a la humanidad toda.

Marina Aguerre

KM 52
Vanishing Point

Artists: Adriana Carambia (ARG) Sève Favre (CHE) Patricio Gil Flood (ARG) Raúl “Pájaro” Gómez (ARG) Anahita Norouzi (IRN) Edison Peñafiel (ECU) Josef Schulz (DEU)

Curatorial work: Marina Aguerre

In recent decades, the persistence of migratory processes highlights unresolved problems both in terms of international politics and individual and collective experiences.

And yet, over the last two years, which have been marked by a global pandemic that the mass media have been covering with relish, the “stay home” policy adopted in both hemispheres seems to have obliterated the persistence of the problem, reinforcing inequalities and erasing this social phenomenon from the collective imaginary.

The continuity and the urgency of this contemporary issue has been underscored by the proposals of the various artists in this exhibition, thus contributing to tearing up the veil imposed on the gaze: territorial limits can be dislocated at will, while deserted, almost phantasmagorical border posts stand in contrast to those images that highlight the limitation on and control of the movement of groups of women, men and children in search of a place to settle down and live.

Meanwhile, some seemingly solid structures reveal the permanent search for a longed-for settlement. The tension between dreams, wishes and reality becomes an object (stone, bundle, house); and in this materialisation filled with memories and life projects, the present, the past and the future of each human being are challenged.

In a world fraught with wires and walls that separate individuals, families and peoples, this exhibition aims to address the problem of contemporary movements and migrations from a sensitive perspective that once again proposes a critical reflection on a subject that involves and affects humanity as a whole.

Marina Aguerre

/por

Poéticas digitales #3: 97’
Exhibición digital

Habitar el espacio
Coordinadora de Poéticas Digitales: Lic. Yese Astarloa

Viernes 03.12.21
19:00h

El Centro de Arte de la UNLP diseñó una serie de actividades para acompañar la exposición Punto de Fuga, Bienalsur 2021, con el foco en la experiencia del espacio que entrañan las migraciones. La idea misma de migración supone un desplazamiento en el espacio que involucra el cuerpo, las sensaciones y la afectividad; un sentido de cohesión y pertenencia, al mismo tiempo que de diáspora y proyección. ¿Podemos hablar de una espacialidad migrante? ¿De qué modo la pandemia se suma, a la reconfiguración del espacio subjetivo, como otro fenómeno que altera la percepción de las distancias y modifica nuestras concepciones de límite y frontera?

Poéticas digitales es un espacio virtual del Centro de Arte, dedicado a la exhibición y divulgación de artistas, investigadores y obras principalmente digitales, pero también para aquellas obras e investigaciones que giren en torno a tecnopoéticas/poéticas tecnológicas en términos de Claudia Kozak, es decir aquellas prácticas artísticas que pongan el relieve el vínculo entre arte-técnica/tecnología.

• Poéticas digitales #1: Retorno + Fluido.obj
Joaquina Salgado, Florencia Ondona y Elena Radiciotti
Jueves 30 de septiembre
19:00h

• Poéticas digitales #2: Glitch Me on Glitch Me
Flor de Fuego y Naoto Hieda
Viernes 05 de Noviembre
19:00h

• Poéticas digitales #3: 97′
Santiago Colombo Migliorero
Viernes 03 de Diciembre
19:00h

 

97’
Por Santiago Colombo Migliorero

97′ busca condensar 97 minutos de registro fotográfico realizado a lo largo de cuatro meses en una serie de fotogrametrías 3D superpuestas en un mismo espacio digital. En esta se muestran dos espacios que supieron ser mi hogar durante el 2021, uno en Argentina y otro en España.

A medida que caen y se entremezclan, los lugares comienzan a fundirse en uno. Los límites del aquí y el allá se desdibujan junto con los del antes y el ahora. Cuanto más nos alejamos de su centro, más se difuminan estos objetos vacíos e incompletos, que van perdiendo detalles a medida que caen y se deshacen, como el agua en el agua

Entorno digital interactivo
• Indicaciones para usuaries:

Ingrese aquí para ver en pantalla completa: https://bit.ly/3DTOm1l

Desde PC:
– Utilice la rueda del mouse para alejarse o acercarse
– Utilice click izquierdo mantenido para rotar alrededor del modelo
– Utilice click derecho mantenido para moverse hacia los lados

Desde celular:
– Acerque o aleje dos dedos sobre la pantalla para alejarse o acercarse
– Mueva un dedo sobre la pantalla para rotar alrededor del modelo
– Mueva dos dedos sobre la pantalla para moverse hacia los lados

Glitch Me on Glitch Me
Por Flor de Fuego y Naoto Hieda

https://glitch-me-on.glitch.me/ es una plataforma web “work in progress” para generar performance visuales en red. Fue desarrollada en colaboración entre Naoto Hieda y Flor de Fuego en el 2020 con el objetivo de presentar experiencias relacionadas a la programación visual para personas que no necesariamente programen. Y buscando otras maneras de habitar y producir e interactuar en el espacio virtual. La web también se conecta con otros navegadores abiertos en línea, es decir, quienes estén conectades pueden influir en la generación del video de los demás. Esto posibilita la colaboración arte-tecnología en línea de diferentes maneras, incluso como actuaciones simultáneas o interacción remota entre dos o más lugares diferentes del mundo.
Glitch Me on Glitch Me es una página web interactiva que utiliza Hydra (webgl) para generar visuales, funciona en computadoras y generalmente también en dispositivos celulares.

Retorno
Por Joaquina Salgado, Florencia Ondona y Elena Radiciotti

Una exploradora digital ha aterrizado en un planeta desconocido gracias a la sobreestimulación de sus sentidos. Mientras recorre un valle mental en busca de su propio cuerpo, conversa con su sistema nervioso.

Retorno, 2020. Video, 4’32’’
Entorno Digital: Joaquina Salgado.
Guión y voz: Florencia Ondona.
Diseño Sonoro: Elena Radiciotti

Contraseña: retorno

Fluido.obj
Por Joaquina Salgado

Una experiencia inmersiva de realidad virtual que invita a flotar sobre paisajes de emociones. Una playa en el fondo del océano, un túnel eléctrico que gira y brilla, un bosque de hongos surrealista.

Mientras viajan entre cascadas virtuales, estructuras luminosas y sonidos electrónicos, los usuarios pueden también modificar la estética de su entorno.

Software: Unreal Engine
Duración: 4:32
Diseño y espacialización sonora: Ramiro Plano (@ramiroplano)

Joaquina Salgado es artista de nuevos medios y VJ de La Plata. Su obra combina tecnologías emergentes, imágenes abstractas y de otros planetas, experiencias XR, mundos virtuales interactivos y performances audiovisuales. A través de sus exploraciones entre el mundo físico y el mundo onírico, que convergen en la creación de entornos sintéticos con tecnologías de Real-Time, esculpido digital y fotogrametría, su trabajo reflexiona sobre la programación interna y la relación que generamos con las máquinas como espejo interactivo

Florencia Ondona es licenciada y profesas en Artes Audiovisuales de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Videoartista, poeta y exploradora sensorial. Trabajó como docente en nivel secundario y universitario en la ciudad de Mar del Plata y actualmente radica en el País Vasco.En su obra como videoartista, investiga el lenguaje audiovisual en relación a la cultura electrónica y la expansión de la percepción en la era digital. Sus cortometrajes se apoyan en la experimentación de la imagen y el sonido, poniendo énfasis en el uso de la palabra, el ritmo y el híbrido de formatos.Es cofundadora de la productora y plataforma de arte electrónico feminista ESTIMULO, y de F11.OBJETOS, un proyecto de diseño con reciclaje electrónico.

Elena Radiciotti es música, compositora y docente. Formada en la FDA de la UNLP. Integra desde 2015 la banda Isla Mujeres y participa como sesionista en diversos proyectos musicales. Trabajó en el diseño sonoro de largometrajes y obras audiovisuales con otres artistas de la región.

Santiago Colombo Migliorero. Artista visual independiente, realizador cinematográfico y generalista 3D en Ohzi Interactive. Ha exhibido sus obras en espacios como el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, Palais de Glace, Bienal de Arte Joven, BAFICI, Premio Itaú Artes Visuales, Proyector’20 (Madrid), Paadmaan (Irán), Light Matter Film Festival (Nueva York), Bienal de Imagen en Movimiento, entre otros. Realizó la Residencia INVE (Valparaíso), Residencia TACEC (Teatro Argentino de La Plata), Residencia Casa Intermitente (Mar del Plata), Residencia Pedalúdico (CC Recoleta y CheLA), Residencia Arte e Industria (Museo Ctibor). Radicado en Madrid, España desde 2021.
www.santiagocolombo.com

 

/por