Curaduría: Virginia Martín

Inauguración: 25.06.2022 a las 19h
Del 25.06.22 al 31.07.22
Sala C

 

En esta exhibición ambas artistas presentan su reciente cuerpo de obra y lo hacen dialogar la una con la otra. La cerámica es la obra de Vitch, las esculturas, el textil y la fotografía son producciones de Fantasy Dinasty. El video de la antesala es una obra en conjunto.

La propuesta curatorial traza una línea contemporánea y la pone a dialogar con el arte de finales de los años sesenta, específicamente con el arte pop de la época.

El título Flor azul. Espinas rosas, se basa en el manifiesto de Delia Cancela y Pablo Mesejeán “Nosotros amamos” el cual es tomado y reeditado por conceptos basados en gustos de las cosas que tienen las artistas, de esta manera se le rinde un pequeño homenaje a modo de reconocimiento por la importancia y la construcción que tuvieron aquellos años en la formación de cultura desde sus inicios hasta el día de hoy.

 

“Nosotras amamos la luz del sol entre los árboles, los tapados de peluche, britney, xtina, bandana y  miranda, los cuerpos sin patrones, los pugs y los plugs, la ropa interior de látex, los souvenirs, los memes, armar playlists con canciones de amigxs, la poesía, los stickers de whatsapp, la bijouterie, los secretos, la marcha del orgullo, las pupas, el gin tonic, las prendas de leopardo, el artel_lin, los lentes de sol, el brindis, las uñas decoradas, bailar, los hoteles ⭐ ⭐ ⭐ ⭐ ⭐ , las burbujas, los brillos,  el mar, los besos, los finales felices”.

 

Vitch. Involucrada en la escena autogestiva local desde 2014 participó junto a su dupla creativa Nat Bo, en la realización de videoclips, escenografías e instalaciones en galerías y centros culturales. Comenzó su formación artística en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP), en la carrera de Licenciatura en Plástica, orientación en Escenografía (2011). En 2015 participó del taller de dirección de arte de Bosco y JoJo Directors en POPA galería. En 2018 comenzó a incursionar en la cerámica de la mano de la artista Josefina Porro, dando lugar a una nueva búsqueda creativa individual, expresada principalmente a través de esta disciplina. En 2020 abrió “Club de Artistas City Bell” espacio con talleres de arte y tienda de producciones de emprendedores locales. Desde 2021 hasta la actualidad forma parte de la tienda del Centro de Arte UNLP (La Plata) y de la trastienda de Pionera galería (Pinamar).

Fantasy Dinasty es artista, performer y fashion icon pop de la escena actual. Amante de la moda, estudió Historia del Arte, diseño textil y producción de modas. Cofundadora de Concha Espacio (2018-2022), fashion boutique nacida en el local 96 de la Galería 5ta Avenida, donde desempeñó varias disciplinas como curaduría, administración y estilismo para los desfiles de la marca. En 2020 comenzó a trabajar con el músico argentino Matt Montero, quien estuvo a cargo de la burbujeante producción del primer single debut de la diva Souvenir, una mezcla entre el electropop de los 2000, el house clásico y la energía del hyper pop actual. Fue lanzado por el sello discográfico independiente “La banda del vip” conformado por varies artistas de la escena del under pop local. En septiembre de este mismo año la artista hizo su primera presentación en vivo en la marcha del orgullo Mostridiscidente en la Plaza Moma, La Plata y en diciembre exhibe su primera obra Ellas en El Fin De Este Reviente exhibición curada por Shulien Te Ama. En la obra plástica de Fantasy podemos encontrar desde piezas textiles bordadas, combinaciones de ready made, hasta pinturas. El 27 de mayo de este año se estrenó el videoclip de su primer single, dirigido por el artista Pablo Gómez Samela, en el que nos adentramos en el universo estético de Fantasy que combina el imaginario del teatro de revistas argentino con una estética camp hiper moderna y donde prevalecen el color, los brillos y las pelucas.

Inauguración: sábado 14.05.22 a las 19:00h
Del 14.05.22 al 25.06.2022
Sala B

 

Artistas participantes del Programa MANGLAR en La Plata 2021: Antonio Zucherino / Daniela Anzoátegui / Daniela Mastrandrea (artista invitada) Favio Gutierrez / Félix Tórrez (artista invitado) / Gini Landini / Giselle Pissoni / Laura Pires / Luciana Vega DAndrea / Luisina Fucile /Mari Sanguinetti / Mariana Colli / Mariana Rodriguez Ávila / Mariel Uncal Scotti / Paula Marcantoni / Valentina Rivas Robles

Coordinador del Programa y curador de la muestra: Andrés Labaké

 

Se unen las lianas, como un posible relato, como una tentativa imagen, insistente, sobre lo ausente. Que emerge de la conexión y desconexión con el objeto perdido.

Nos propone un re transitar ficcional en la deriva de la memoria personal y colectiva.

Realizar algunos ensayos donde recomponer con restos fracturados, en una materialidad imposible, las capas geológicas del tiempo.

Encarar investigaciones poéticas urgentes sobre cómo estar en el relato del mundo y en el mundo del relato, recolectando esquirlas en territorios e imaginarios.

Inventar con dos palitos refugios cotidianos, que nos emparentan en la precariedad periférica.

Como también, salir de ellos e intentar desenmascarar y eludir la estigmatización y el control que se intenta sobre los contornos, donde la trama de deshilvana. Y problematizar, desestabilizar el territorio del lenguaje, del discurso central hegemónico desde las imágenes, y ensayar una imaginación otra, que incluya y proponga subvertir estatutos micro y macro políticos.

Donde la experimentación de la fantasía, en les cuerpes y los objetos, ofrezca su capacidad de ser vehículo de conocimiento a través de la invención de otros escenarios alternativos posibles.

Tratar de inventarlos abordando exploraciones en las estrías e intersticios del relato, en las zonas secretas de nuestras historias.

O recurrir a la infructuosa repetición que permita las irrupciones dislocadoras en las que emerjan variaciones necesarias y particularicen esas imágenes, esos relatos. Que desplacen el sentido.

Mágicas performances, en simultaneidad de tiempos urgentes, que perforen la linealidad obturadora e instalen la fractura, la interrupción que permita no desentendernos de lo excluido.

Que restos materiales de alguna posible representación floten en suspensión en el espacio sobre nosotros, convocándonos a la percepción imaginaria del desmoronamiento. A la representación del derrumbe o al derrumbe de la representación.

Apelar a una constante excavación en la escritura poético arqueológica, en los pliegues y relieves de las imágenes, de las cosas y las narraciones, subidos a provisorias estructuras de sostén. Intuyendo la fragilidad y provisoriedad de ellas y de la memoria.

O bajar de ese andamio y recorrer dentro del enredo y la mixtura la cotidianeidad, procurando que, hasta la viscosa materialidad de lo cercano y lo familiar se vuelva extraño y atrayente, aún en su repulsión.

Para encontrar allí, probable y paradójicamente, en la percepción de estar inmersos en el caos, un espacio refugio donde poder erigir un ritual y un escenario cartográfico de los silencios y las ausencias.

Salir al encuentro de rituales de celebración festiva, donde involucrarnos colectivamente en la mixtura, en la práctica comunitaria de la impureza, de lo trastocado, en la potencia de lo transvestido y tergiversado que nos habilite particularizar las representaciones a la vez que inventar lo común en las diferencias y otredades compartidas.

Volver al laboratorio personal donde ensayamos diversas, reconfigurables y lúdicas constelaciones taxonómicas en las que conviven simultáneamente, como en la comunidad, diversas inespecificidades.

Y nuevamente salir al encuentro con les otres y compartir telones de representaciones e imágenes circulantes entre los cuales podamos ensayar reinvenciones y redistribuciones de visibilidad y  sensibilidad.

Probablemente como estas derivas, así se ensamblan las prácticas poéticas de este grupo de artistas, que armando parentescos y diversas conexiones contaminantes configuraron el año pasado, semana a semana, un Manglar en La Plata.

Se ensamblan como en el agua se unen las lianas, con la fragilidad de los instantes suspendidos, flotantes, en la impermamencia de las cosas y sus relatos.

 

Andrés Labaké
Artista, investigador, curador, coordinador de MANGLAR

 

Inauguración: sábado 14.05.22 a las 19:00h
Del 14.05.22 al 18.06.2022
Sala C

Cuanto más grande es un maestro, más vacía está su obra. Es un significante
sin identidad, que se llena constantemente de nuevos significados. El origen se
muestra como una construcción posterior.
Byung Chul Han, Shanzai

 

Julia Sbriller y Joaquín Wall son creadores de imágenes. En su caso, el camino de la creación -colectiva- puede atravesar distintas etapas: los primeros disparadores, la gestación de la idea, la puesta en común, las pruebas, la ejecución, la exhibición. Pero el trabajo de Julia y Joaquín no termina allí. Se prolonga en el tiempo y en los espacios.

Una imagen que nace como fotografía deviene en video y luego en una obra mural y colectiva hecha de venecitas. ¿Cuál es el final de la imagen?

Los recursos que utilizan entrañan la reproducción múltiple, que en este caso se manifiesta, por un lado, con la elección de la técnica fotográfica, y por otro, con la elección de una técnica modular, que traduce una imagen digital, intangible, en un objeto.

Sus obras son transformación constante, no se cierran sobre sí mismas, no están acabadas. Su concepción del ser en el mundo tampoco. La mutación y el cambio atraviesan las distintas producciones del colectivo. En Torontoides, serie de la cual parte la actual exposición, presentan cuerpos desnudos que se lanzan sobre masas acuosas de colores.

El video que registra la producción de la serie fotográfica nos devuelve la imagen de cuerpos flotando en una pileta, enredados en telas de colores. Narcisos caídos, que embelesados con su propia imagen no perecieron sobre la hierba, sino que se fundieron con su propio reflejo colectivo, no individual, y habitan el agua, medio fluido, transportador, vital.

Algo en el acto de arrojarse, de introducirse en un medio ajeno, habla de un impulso, de una tendencia hacia las experiencias transformadoras. En el sentido de la experiencia, esta muestra y las obras presentes en ella se proponen no en tanto objeto, sino como una duración para vivenciar. ¿Qué significa crear hoy? ¿Qué significa lo colectivo hoy? ¿Qué significa encontrarse hoy? Estas preguntas atraviesan el armado de Voluble: imágenes futuras. Las respuestas son algo por descubrir, a partir de la intervención de cada persona que se sienta interpelada a transformarse y crear desde el encuentro.

Carolina Jozami

 

Julia Sbriller & Joaquin Wall son un dúo multidisciplinario con base en Argentina. En su práctica colaborativa, híbrida y experimental trabajan en relación al cuerpo individual y colectivo, las propiedades de la luz, la materia, la gravedad, sus posibilidades de encuentro y relación. Desde distintos soportes se preguntan por la escala, por la representación del espacio y del cuerpo en él. Su trabajo se centra en pensar al ser humano en tanto a su capacidad de vincularse y de transformarse, en busca de nuevas formas y posibilidades de encontrarnos y habitar el mundo.
Su trabajo ha sido exhibido en Whitechapel Gallery (UK), GAMeC Bergamo (IT), Swab Barcelona (ES), Art Gallery of Burlington (CA), Crawford Art Gallery (IE), Buenos Aires Photo (AR), ArteBA (AR) Fundación Proa (AR), Fundación Andreani (AR), Munar Arte (AR), etcétera. Actualmente forman parte de Quimera Galería, en Buenos Aires, Argentina. Julia y Joaquin trabajan como docentes y gestores culturales coordinando “Creadores de imágenes” Red Educativa Latinoamericana.

Inauguración: sábado 05.03.22
19:00h
Vidriera Bicentenario

Quedamos que cuando llegaba a la estación de trenes de La Plata me avisaba y la pasaba a buscar. Le dije esperame sobre Diagonal 80. Me responde con un audio: “No sé qué diagonal, no tengo ni idea. Salí de la estación y me quedé en una parada de taxi, al lado de unas barreras. Si querés me acerco a una diagonal. No tengo idea (ríe despreocupada). A ver, no tiene pinta de diagonal esto”.

A contramano de muchos artistas que diseñaron proyectos para nunca realizar, maquetas para luego destruir, Elba no solo guardó sus dibujos, con una sutileza que la define, sino que los convirtió en maquetas. No a todos, solo a algunos. Pequeñas maquetitas de yeso que tratan de respetar el escalímetro, la precisión de esos dibujos que no llegan a ser técnicos, en el sentido más rugoso de la palabra, pero tienen el esfuerzo y las marcas de quien quiere respetar las escalas, las medidas. Claro que en todo pasaje hay cambios: de lo que vio desde esa ventana, durante las horas que pasó dibujando, a lo que eligió inventar y recortar. Mudanzas del volumen al lápiz, del lápiz al yeso, del yeso al Durlock.

En el primer pasaje Elba está en Montevideo. En los momentos de viaje, le gusta detenerse en la arquitectura, en los horizontes, en las terrazas, en las mamposterías.

A estos dibujos que vinieron al mundo en la otra orilla del Río de La Plata los llama construcciones y prefiere ordenarlos sencillamente como apuntes. El trazo de los lápices forma rectángulos y cuadrados, líneas zig zag y punteadas en hojas blancas. La geometría aminora cuando deja al lápiz mostrar su porosidad y todos sus grises, sin compromisos. Elba, por supuesto, escatima la ilusión y, sobre todo, la de profundidad. Frontales la mayoría, solo en algunos se percibe la altura desde la que está mirando. Un quinto piso.

En el segundo pasaje Elba está en su taller, en Monserrat. La intención es realizar una maqueta de cada uno de los apuntes. Hasta el momento, tiene tres. Las tres que fueron realizadas: la del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2017), la de la Bienal de San Pablo (2018) y la del Centro de Arte de la UNLP (2022). Con el yeso y la masilla las cosas cambian. No desaparece la confianza depositada en el dibujo, tampoco se ciñe de manera categórica. “Sin desvirtuar, adaptar”, suele decir sin levantar la voz, pero con decisión.

En el tercer pasaje está en la Vidriera Bicentenario. Recorre junto al equipo de producción y al arquitecto el espacio que le propusimos, allá por junio de 2019 cuando no solo era otro planeta, sino que acabábamos de conquistar ese nivel para el Centro de Arte. Le escribí un correo: “Te escribo porque, como tantas veces hablamos cada vez que nos encontramos, me gustaría que puedas exponer en el Centro de Arte de la UNLP. Tenemos un espacio nuevo, la vidriera Bicentenario, que es bastante amplio y con mucho potencial. Si estás interesada, en otros correos te envío imágenes y vistas”.
Elba participó generosamente, en 2015, en el ciclo Arte en el patio con una instalación de esculturas en el Rectorado de la UNLP, curada por Santiago Villanueva. El Centro en ese entonces existía solo en los planos. Hay un océano de tiempo entre estos hechos y aquella visita en la que una sinergia nos apoderó a todos lo que estábamos. Sin límites ni reparos lo vimos posible.

Con esa implicación, a veces desenfrenada, hicimos un pacto tácito que consistió en no poner palos en la rueda. Aunque hubo situaciones que lo pedían a gritos, elegimos no recurrir a la cautela. Las circunstancias mundiales, nacionales, institucionales no vienen a cuento, tampoco son una novedad. Lo que Elba gestó en este lapso sí.

La construcción con sus pasantes, sus huecos, sus gestos y con su blanco con una gota de ocre, se asentó ingeniosamente sobre la enrevesada arquitectura. Parte del éxito de esa convivencia o correspondencia es responsabilidad de ese blanco que es Elba pura. La otra, la voluntad de exponer descaradamente su inutilidad. “Estas construcciones tienen un sentido de lo inútil que tiene alguna función. Hay algo también que tiene que ver con el tiempo, mínimo pero transcurre. No hay otra connotación más compleja que esa, uno pasa”, dice.

“Nombrar alcanza/Inútil decir más”, escribe Idea Vilariño desde Montevideo en el último poema de su último libro: No. Son como un díptico: el blanco que abstrae, las obras sin título, el silencio, la simplicidad, el milímetro, la milésima. La forma.

Dicen que un modo de describir algo es empezar por mencionar todo lo que no es. No es un cilindro, no es un tubo, no es del todo oblicuo. Nombrar alcanza porque nombrar es un acto aparentemente sencillo, pero tiene sus riesgos. Los mismos que enfrentó Elba cuando realizó esta pieza larguísima y curvada, que es difícil medir con certeza matemática, que despelotó todo su taller, que bajó dos pisos con sogas, que viajó cincuenta y siete kilómetros.

Las esculturas vienen después, no están en los dibujos. “Esta construcción me generó de entrada la idea de algo suave, circular, tubular. Fue tomando ese vuelito”. Las esculturas le funcionan como un disparador, como un escape, como un desvío o una ruptura a un trazado de formas rectas, paralelas.

A la vuelta a la estación le digo esta es la Diagonal 80. Me responde: “No tiene pinta de diagonal esto”. Es cierto, la verdadera diagonal es la escultura.

Natalia Giglietti

 

Elba Bairon (La Paz, Bolivia, 1947). Se radicó en Buenos Aires en 1967, ciudad donde vive y trabaja actualmente. Se formó en dibujo, pintura china, grabado y litografía. Durante los años ochenta realizó ilustraciones para los libros del dramaturgo Emeterio Cerro y vestuarios para sus obras teatrales. A mediados de la década de los noventa comienza a trabajar en volumen, relieves y piezas escultóricas en yeso y pasta de papel presentadas en instalaciones. Expuso en la Galería del Centro Cultural Rojas, ámbito emblemático de los años noventa, y en otros espacios de arte contemporáneo y museos nacionales entre ellos Museo Nacional de Bellas Artes, Museo MALBA, Museo MAMBA, MAC de Rosario, Museo de Bellas Artes de Bahía Blanca. Participó en ferias y exposiciones internacionales como Art Basel, Suiza; Arco, Madrid; Centro Cultural Cándido Méndez, Río de Janeiro; Instituto Ítalo Latinoamericano, Roma, Italia; Museo Parque de las Esculturas, Santiago de Chile; Galería Nube, Santa Cruz de la Sierra, Bolivia; 33º Bienal de San Pablo. En 2012 recibió el Gran Premio Nuevos Soportes e Instalación del Salón Nacional, Argentina y el primer premio Federico J. Klemm a las Artes Visuales. Sus obras integran colecciones particulares y museos de Buenos Aires y otras ciudades del país.