Berlín No

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Sala A

Las entradas se entregarán una hora antes de la función.
Para reservar entradas online buscar el evento en: https://www.centrodearte.unlp.edu.ar/calendario/

Berlín no es una obra de danza teatro con tres bailarinas en escena, de 40 minutos de duración. Surgió de un largo trabajo de improvisación corporal al que luego se le incorporaron textos de experiencias personales de viajes resaltando la sensación que nos había quedado en el cuerpo.
A lo largo de la obra, se muestra el cuerpo que se construye y se deconstruye en cada escena. Los roles de la mujer y la construcción de su subjetividad con el paso del tiempo. La conflictividad del género. La propia educación, sus textos, en un cuerpo que se pone en escena. Las diferentes técnicas corporales de entrenamiento que hemos transitado y las subjetividades que se configuran al atravesarlas. A su vez, el tono del trabajo es lúdico y apela al humor. Berlín pareciera ser para algunos la ambición, el lugar de llegada para las artes escénicas actuales, un fuera de campo permanente.
Nos permitimos bromear sobre ello por considerarlo un horizonte hijo de una mirada moderna, autocolonizada.

 

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Montaraz

Sala A
24 y 31 de Mayo

Las entradas se retiran una hora antes de la función.
Capacidad limitada.

El Centro de Arte de la UNLP presenta, en esta ocasión, la obra de teatro Montaraz, escrita y dirigida por Braian Kobla. Montaraz es una coproducción de PAR (Programa de apoyo para la Realización artística) de la Universidad Nacional de La Plata y AÚRA Festival de Artes Escénicas.

Sinopsis
Partimos conceptualmente del pensamiento del filósofo y activista italiano Franco Berardi (Bifo), quién en varios de sus ensayos señala que “La sublevación es antes que nada un acto físico, afectivo y erótico.” Esta afirmación nos provocó una relación directa sobre el cuerpo como plataforma generadora y transformadora de discursos. Un cuerpo capaz de soportar las contingencias de la realidad y a su vez desdoblarse de manera poética.
¿De qué manera podemos dar cuenta de ciertos mecanismos del poder y de los vínculos en sociedad a través del cuerpo?
Desarrollamos una serie de procedimientos formales que buscan acercarse a esos mecanismos cargados de contenido: social, político, sexual, intelectual, pero no para desarrollar temas de reflexión, sino como función operatoria para producir sentido sobre el cuerpo de las intérpretes.
La obra no se sostiene desde un relato argumental a la manera que refiere, por ejemplo, Tzvetan Todorov como: equilibrio–desequilibrio–nuevo-equilibrio, sino que nuestro relato funciona por resonancias, por la yuxtaposición de varios lenguajes o procedimientos desarrollados como: estados de actuación, canciones, secuencias físicas, sonidos, loops de textos, coreografías, secuencias textuales.
De esta manera podemos pensar a las intérpretes como pulsos, intensidades que vibran estableciendo un pulso superior, un ritmo, y ese ritmo deviene en relato. Un relato sostenido por las vibraciones de los cuerpos. Un par de cuerpos sublevándose así mismos, sometidos a una partitura que deben ejecutar a la cual denominamos obra.

Ficha técnica
Intérpretes: Denisse Van Der Ploeg, Julieta Ranno, Natalia Maldini, Anabelén Recabarren y Eliana Giommi
Músicos: Francisco Raposeiras y Andrés Dillón
Escenografía, vestuario e iluminación: Sol Santacá
Asistencia de dirección: Rafael Gigena
Dramaturgia y dirección: Braian Kobla

Braian Kobla. Actor, director, dramaturgo y docente teatral. Egresado de las carreras del profesorado y la licenciatura en Artes Escénicas en la Escuela de Teatro La Plata (ETLP). Formó parte del staff del Club de Teatro Defensores de Bravard, dictando los cursos anuales de actuación en los niveles intermedios bajo la coordinación de Matías Feldman y Santiago Gobernori.
Ha participado como dramaturgo y actor en Panorama Sur, plataforma de intercambio internacional, organizada por Goethe Intitut y THE-Asociación para el Teatro Latinoamericano, bajo la dirección de Alejandro Tantanian y Cinthia Edul. Formó parte de la Compañía Buenos Aires Escénica, coordinada por Matias Feldman. Su obra The Good fue editada por la Editorial Sur Surreal, formando parte del tomo II de la colección Poéticas Profanas. Dicha obra formó parte de la Biblioteca digital de CREADOR.ES (Madrid, España) durante el año 2014. Su obra No hay nada más hermoso que acariciar algo quieto, fue seleccionada por la Biblioteca Nacional de España (Madrid) para formar parte de su colección Joven Dramaturgia Iberoamericana, sumándose al catálogo digital de dramaturgos emergentes de la escena iberoamericana sub 30. Con dicha obra ganó la Beca Individual del Fondo Nacional de las Artes a la Creación. Actualmente es el coordinador de la Plataforma de Entrenamiento y Creación Escénica, generando un espacio de producción e investigación en relación a la escena contemporánea. Sus obras estrenadas son: Yo fui Sofía (2010); Ofelia se ahoga (2011); The Good (2015); Montaraz (2017); No hay nada más hermoso que acariciar algo quieto (2018).

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Desmontaje. Obras de José “Pollo” Canevaro

Auditorio

En el marco de la serie de encuentros denominados Arqueología del teatro performático platense, el Centro de Arte presenta el desmontaje de las obras de José “Pollo” Canevaro, Sodería Espósito e Imaginados. Se realizará una charla que prevé demontar los procesos de construcción de dichas obras. La actividad se encuentra organizada por la Plataforma de Teatro Performático (PTP) y contará con la presencia de integrantes de los elencos.

Sodería Espósito

Sinopsis: Años cincuenta. Una familia de soderos en algún lugar de la provincia de Buenos Aires. La crisis y la muerte del último de los padres desatan la tormenta. Los primos, junto al consiglieri tucumano, único testigo de las viejas batallas soderas que los llevaron a la gloria, intentan a su manera reconstruir un imperio sumergido en leyendas…

Ficha técnica:
Actuación: Federico Aimetta, Gustavo Parola, Gustavo Senese, Hernán Tomeo, Diego Cremonesi y José “Pollo” Canevaro
Escenografía, diseño de iluminación y vestuario: Luis Manuel Mendiburo Elicabe
Asistencia artística: Elián Gallese
Operación de luces y asistencia técnica: Olivia Grioni y Eugenia Kubli

Dramaturgia y dirección: Hernán Tomeo, Lucas Finocchi y José “Pollo” Canevaro

Imaginados

Sinopsis: El espacio escénico es el campo imaginario de un autor en plena acción de escritura de sus últimos tres relatos. Los actores son, para él, entes que habitan su imaginario actuando sus relatos y re-actuando aquello que el autor decide descartar y re-escribir. Esa “vida” para los actores parece ser una tortura. La indefinición de su destino, el no saber de su muerte,  esperando que el autor defina de una vez por todas el final de sus relatos para poder desaparecer y dejar atrás esa angustia existencial que parece ser una metáfora de la “angustia creativa” de ese “padre” que les define el destino. La obra transcurre en un devenir de situaciones a una velocidad y una violencia sórdida que perturba. El ritmo escénico transita infinitos colores y silencios gruesos. Es un zapping teatral, una locura.

Ficha técnica
Actuación: Guillermina Andrade, María Laura Belmonte, Federico Aimetta y Juan Pablo Thomas
Asistencia de dirección y dramatúrgica: Jorge “Mono” Pérez
Asistencia técnica, iluminación y escenografía: Olivia Grioni
Vestuario: Grupo Maquinaria Creativa
Sonidos y asesoramiento sonoro: Diego Madoery
Asesoramiento coreográfico: Julieta Ranno
Fotografía: Enzo Brutti
Diseño gráfico: José Otero

Dramaturgia y dirección: José “Pollo” Canevaro

José “Pollo” Canevaro. Actor, dramaturgo y director. Se ha formado con Ricardo Bartís, Pablo Ruiz, Beatriz Catani, Alejandro Catalán y Pompeyo Audivert entre otros. Ha escrito y dirigido Lo que Ana vio (2015), Imaginados (2009-2012 y 2018), Decibel (2006), Sodería Espósito (junto a Hernán Tomeo y Lucas Finocchi, 2004-2006), Últimas cosas (2004-2005), El hacha (2003), 7 cabritos (Pleyades) (2000-2001). Ha actuado en Sodería Espósito, Diagonal Borges, Lazos sanguíneos, Eterna, Mala jugada, La caída, Malus Silvestris, Manuscritos, entre otras. Como docente ha coordinado los Cursos de Entrenamiento de la Sala “La Fabriquera” (2001-2002) y de la Sala “Área Chica” desde 2011 hasta la actualidad. Ha participado como organizador, programador, planta técnica, publicidad y atención de la Sala “La Fabriquera” (1996-2007) y en la actualidad en Sala “Área Chica”.

Con el apoyo de: Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano – Facultad de Bellas Artes – UNLP / Grupo de Estudios de Artes Escénicas del Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano – Facultad de Bellas Artes –  UNLP / Biblioteca Teatral “Alberto Mediza” / Taller de Teatro de la UNLP / Asociación Amigos del Taller de Teatro de la UNLP / Cooperadora de la ETLP / Escuela de Teatro de La Plata / Secretaria de Arte y Cultura de la UNLP / Centro de Arte de la UNLP.
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Tierra Firme

Sala A

En esta ocasión, el Centro de Arte de la UNLP presenta Tierra firme, obra de danza estrenada en el marco del PAR 2018 (Programa de Apoyo a la Realización Artística y Cultural) por Aula 20, grupo de danza de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata.

«En extremos de angustia/ cuando el ánimo se tambalea/ hay una duda de la identidad/ que ayuda hasta que se encuentra tierra firme// Una prestada irrealidad/, un piadoso espejismo/ que hace el vivir posible/ suspendiendo la vida»
Emily Dickinson

Nos pensamos como individuos para definirnos, identificarnos y conocernos. Pero también nos pensamos como “manadas”, sociedades, familias, colectivos. Nos agrupamos porque es inherente al ser humano ser parte de comunidades en las que nos unen intereses comunes, lazos de sangre, contextos. Esas redes nos sostienen, son nuestra “tierra firme”. Nos acerca el lugar donde vivimos, nos nuclean y nos sostienen distintas situaciones y vínculos sociales, familiares, laborales, afectivos y emocionales. Estos aspectos nos “familiarizan”, nos impulsan a salir de la soledad para reconocernos dentro de algo mayor que nos contiene y también nos problematiza.
Esta obra indaga acerca de estas cuestiones: ¿cómo nos vinculan las relaciones, las filiaciones, o determinados intereses comunes?, ¿cómo nos sostienen esos lazos que nos afectan física y emocionalmente y nos permiten vernos familiares?, ¿cómo se evidencia lo particular y sensible de cada vínculo?, ¿cómo conseguimos mantener el equilibrio de estas estructuras en un contexto siempre cambiante? La obra desarrolla ideas de movimiento en torno a la familia y la familiaridad, lo particular/singular y lo colectivo, los equilibrios y desequilibrios, las tensiones y distensiones, la afectividad, el lugar que habitamos.

Directoras del grupo:  Diana Montequin y Mariana Estévez
Actores: Julia Aprea, Mariana Estévez, Alejandro Lonac, Gabriel Lugo Parodi, Mónica Menacho, Diana Montequin y Mariana Sáez
Diseñador de escenografía: Martin Galle / Mate EP!
Diseñador de iluminación: Martín Galle / Mate EP!
Diseñadoras de vestuario: Ana Otondo y Natalia Maizano
Compositores música: Julián Chambó y Ramiro Mansilla Pons

Aula 20 fue creado en el año 2010 en el marco de la Cátedra de Trabajo Corporal l de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata como un espacio de producción e investigación en el campo de la danza. En las producciones confluyen experiencias de articulación con otras disciplinas presentes en la facultad que impulsan y nutren este espacio. Desde su origen, Aula 20 ha generado más de diez obras que se presentaron en distintos ámbitos universitarios, culturales de la ciudad y de otros puntos del país.

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Maluco

Auditorio

En esta oportunidad, el Centro de Arte realizará una proyección de la obra teatral Maluco (1993) del director y dramaturgo platense Quico García, y a continuación una charla a cargo de Beatriz Catani y elenco.

«Hace veintisiete años, Quico García, estrenó una obra inconmensurable, mítica, revolucionaria en el sentido más pleno del término: Maluco. Obra para la cual rescató, junto a su grupo La Hermandad, el Teatro Princesa.
A seis años de su muerte proponemos, junto con el Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata y la Sala Teatro Lucía Febrero la proyección integral de Maluco. Pensamos que en la obra se conserva el espíritu y la palabra del autor, por lo que Maluco, para quienes lo conocimos es la posibilidad de encontrarnos con Quico, y para quienes no la vieron, para las generaciones más jóvenes, la posibilidad de descubrir una obra necesaria»
Beatriz Catani
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El Secreto de Clarice

Sala A

El Centro de Arte de la UNLP presenta El secreto de Clarice, una obra que combina danza y teatro con realización y proyección visual en tiempo real.

Sinopsis
Clarice mata accidentalmente a dos pececitos. Se siente avergonzada y decide confesar lo sucedido. Para ser perdonada por el público, relata una serie de acontecimientos de su vida que evidencian el profundo amor que desde siempre tuvo por los animales.
Su antagonista es la Señorita Wiki, interpretada por la misma actriz-bailarina, sabelotodo y eficiente intentará aleccionar a Clarice en sus intentos por reivindicarse.

Ficha técnica
Dirección, interpretación y dramaturgia: Julieta Ranno
Dirección de arte, actuación, operadora de sonido, gráfica y fotografía: Chechu Ascaso
Ilustración digital en vivo y gráfica: Tatiana Catelani
Diseño y operación de luces: Manuel Schoijet

https://www.facebook.com/elsecretodeclarice/videos/464378227273291/

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Cursos, talleres y seminarios

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Sigue abierta la inscripción para los cursos, seminarios y talleres del Centro de Arte de la UNLP que comienzan en abril.
La inscripción se realiza en el Centro Universitario de Arte de martes a viernes entre las 14 y las 18:30h o en la Secretaría de Extensión de la Facultad de Bellas Artes (diagonal 78 nº680) entre las 8:30 y las 17h.
Traer fotocopia de la primera y la segunda hoja del DNI, abonar la matrícula y la primera cuota del taller al que se inscribe.
Precios: oscilan entre $550, $650 y $750 por mes (dependiendo de la modalidad) y $200 de matrícula por única vez.

Los cursos, talleres y seminarios son los siguientes:

• Creaciones escénicas. Blas Arrese Igor. Martes de 16 a 19h.

• Composición y puesta en escena. Florencia Olivieri y Jerónimo Búffalo. Miércoles de 16 a 18h.

• Escritura automática. Carlos Ríos. Miércoles de 18 a 20h (desde el 11 de abril).

• Montaje cinematográfico y percepción. Pablo Rabe. Miércoles de 14 a 16h.

• Producción fotográfica. Luisina Anderson. Jueves de 13 a 15h.

• Stop Motion. Pablo Ceccarelli y Matías Fiandrino. Martes de 15 a 17h.

• Tipografía modular. Fabio Ares. Miércoles de 16:30 a 19h.

• Cincel, pixel, pincel. Leila Tschopp y Hernán Borisonik. Jueves de 14 a 18h (desde el 26 de abril).

• Retrato fotográfico. Natalia Dagatti. Miércoles de 16 a 18h.

• Artes audiovisuales. Eugenia Raffaelli. Martes de 13 a 17h.

• Documental creativo. Sofía Bianco y Natalia Dagatti. Miércoles de 18 a 20h.

• Cine, filosofía y psicoanálisis. Pablo Martínez Samper. Miércoles de 18 a 20h.

Más información:
(54) 221- 6447131 – 6447035
centrodearteunlp@gmail.com

 

 

 

 

 

 

 

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Instante 9

Sala A

El Centro de Arte de la UNLP presenta Instante 9, obra a cargo de Compañía DO2. Grupo de producción y experimentación escénica. La obra cuenta con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro y del PAR (Programa de Apoyo a la Realización Artística y Cultural) de la Secretaría de Arte y Cultura de la Universidad de La Plata).

Sinopsis
Tres personajes. Una reina, un rey y un tablero.
Separados por el tiempo, la reina y el rey juegan su partida en un tablero que coarta sus movimientos/acciones, castigando y separando sus cuerpos con instantes de sus vidas. El objetivo del juego es romper la barrera temporal que los separa para nuevamente encontrarse. El tablero hará su jugada con el destino de ambos.

Ficha técnica
Bailarina: Florencia Olivieri
Actor: Jerónimo Búffalo
Música: Alejandro Santucci y Mauricio Silva
Escenografía e iluminación: Martín Galle y Leandro Mosco / MATE Espacio de producción
Vestuario: Esteban Licht
Fotografía: Sofía Marcos
Diseño en comunicación visual: Paula Dreyer
Asistencia de dirección: Leonardo Basanta
Asistencia técnica: Beder Reyes
Dirección y puesta en escena: Jerónimo Búffalo y Florencia Olivieri
Producción general: DO2 Experimentación escénica

Sobre la Compañía DO2. Grupo de producción y experimentación escénica

Jerónimo Búffalo. Desde el año 1995 a la actualidad realiza su formación como actor, docente y director. Es egresado de la carrera de Actuación de la Escuela de Teatro de La Plata. Se formó como actor con los maestros Marcelo Katz (con el cual se especializa en la técnica de la pantomima), Raúl Serrano, Rubén Szuchmacher y Pompeyo Audivert. Realiza diferentes seminarios y cursos relacionados al circo, el canto, la actuación y la danza.
Sus trabajos se han presentado en diferentes espacios oficiales como en el Teatro Argentino de La Plata, el Espacio Memoria y DDHH (ex ESMA), la sala Payró del Auditórium de Mar del Plata, en el Centro Cultural Haroldo Conti (ex ESMA), el CCC (Centro cultural de la Cooperación), la UNSAM (Universidad Nacional de San Martin), el Auditorio de Bellas Artes (UNLP), el Museo de Bellas Artes de la Provincia de Buenos Aires Emilio Pettoruti, en la Escuela de Teatro de La Plata y en el Centro Cultural Islas Malvinas (La Plata). En espacios no oficiales de Capital Federal como el Galpón de Guevara, el Teatro Mandril y en varias salas de La Plata, donde reside. Sus obras han sido seleccionados para participar en distintos ciclos y festivales nacionales e internacionales.

Florencia Olivieri. Egresada de la Escuela de Danza Contemporánea Armar Danza Teatro. Se formó en diversas técnicas de danza, improvisación y composición. Cursó el posgrado en la Especialización en Análisis Coreográfico de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. Sus obras han sido seleccionadas en ciclos y festivales nacionales e internacionales como el Festival Internacional de Buenos Aires, Festival Internacional “A Sul” en Portugal, Festival Internacional Multipla Danca Florianópolis, Brasil, entre otros. Es docente de Técnica de Danza Contemporánea, Improvisación, Composición Coreográfica, y danza para niños en instituciones privadas y oficiales. Su trabajo ha sido reconocido con becas y subsidios del Fondo Nacional de las Artes, la Fundación Antorchas, el Instituto Prodanza y el Instituto Nacional del Teatro. Desde 2007 dirige Proyecto en Bruto y desde 2010 coordina La Casa Centro de Formación y Producción Artística de la ciudad de La Plata.

Instante 9 ha participado en:
• Selección Festival Cult Dance 2017. Brasilia, Brasil.
• Auditórium de Mar del Plata, Sala Payró. Temporada primavera 2017.
• Festival MEF (Movimiento en Foco) 2017. Posadas, Misiones.
• Festival FETI (Festival Efímero de Teatro Independiente) 2017. Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
• Festival Cuerpo en Escena 2017. Santa Rosa, La Pampa.
• Ciclo de danza “Aula 20” 2016. Secretaría de Arte y Cultura de la Universidad de La Plata.
• Ciclo de danza “Danza en el museo” 2017. Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti. La Plata, Buenos Aires.
• Ciclo “La Noche de los Teatros”. ATEPLA (Asociación de teatros platenses) 2017.
• Ciclo de teatro “Sábados Abiertos” 2017. Escuela de Teatro de La Plata.

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Un remolino en el fondo del mar

Sala A

En el marco del Festival Danzafuera, el Centro de Arte presenta Un remolino en el fondo del mar, a cargo del Grupo Lobería de La Plata.

Sinopsis
Diversos paisajes sonoros y de movimiento conforman las escenas de un relato. Esta propuesta reconoce una poética vinculada al sentido del amor, a su forma, su transformación; a los múltiples sentidos que le pueden dar significancia a la vida de cada ser humano en relación con otros. Entrenamos la fiscalidad con esa esencia poética y narrativa: la fiscalidad del amor. En los personajes vive la danza, el movimiento imperceptible a los ojos del mundo. Movimiento cósmico. Dolor y fuego vivo de seres fantásticos. Dispuestos en línea juegan con el peso de su cuerpo y la suspensión. Abandonamos el ser existente, el original, el dado por la naturaleza de la vida, y construimos otro más complejo, con el paso del tiempo de nuestra propia historia, de los desvelos, los encuentros, las ausencias. Aparece el grupo, formado de cuerpos que se complementan y forman una estructura de locomoción; un tren; un animal. Un ser fantástico de carne y hueso conformado por muchos cuerpos. Un centauro, una quimera, un semidiós con manos hechas de pies. Ser inconstante y difuso, inacabado, incompleto, ansioso de completitud desconocida, anárquica y absoluta. Con la fuerza del aire, respira la espera.
¿Cómo se ensamblan estas partes de amor que nos reconstruyen metafóricamente? ¿Cómo cuaja en un cuerpo fantástico de carne y hueso?
Se encastran, encajan, acoplan, copulan.
Huyen…
¿Cuántos siglos de amor guarda en su memoria de agua?
Una sirena solitaria en un remolino en el medio del mar.
Ya no hay espera, porque no hay tiempo. No hay tiempo físico, lineal, no hay tiempo real.
Varias manos y varios rostros sumergidos en la marea vertiginosa.
Pies de muchos rostros sostienen el cuerpo fluido y sólido de la manada.

Ficha técnica
Intérpretes: Diego Leone, Fernanda Tappatá, Florencia Roig, Mariana Much, Marina lanfranco, Laura Valencia, Pamela Esquivel, Pamela Flores y Yanina Sangre
Iluminación: Julieta Di Guilmi
Sonido: Matias Schegfnet
Música: Marcos Edward
Dirección: Aurelia Osorio

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Norma y Regula

Sala A

En el marco del Festival Danzafuera, el Centro de Arte de la UNLP presenta Norma y Regula, de Federico Moreno y Michel Capeletti (Argentina/Brasil).

Sinopsis
“Tú eres esa cosa
de la que no puedo tener bastante.
Así que te diré algo,
esto puede ser amor porque…”
Un dúo en una nube de colores, barba gigante enmarañada, cúmulo de desechos. Una geografía, espacio plástico y móvil como nuestros pensamientos. Constelación que se ve al sur del mundo entre Escorpio y Sagitario atravesada por la Vía Láctea, también conocida como El Juego de Reglas o El Nivel, en latín Norma et Regula, “Escuadra y Nivel”. Con nuestras herramientas, reglas de un juego o varios, trazar un trabajo, una constelación al sur. (ARG-BRA)
Prácticas compartidas, juegos reglados para la construcción de escenas vinculares
(con) junto (com) bater (con) flicto (con) mover (com) partir (con) struir (com) poner (con) vivir Sin (tesis) Fi (m-n)

Ficha técnica
Intérpretes: Federico Moreno y Michel Capeletti (Argentina/Brasil)
Asistencia: Moira Maillmann
Concepción y dirección: Federico Moreno
Música. Recortes de: “Billie Jean” (Michael Jackson), “(I’ve had) The time of my life” (Bill Medley–Jennifer Warnes).

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Volver a mirar

Plaza Moreno-Pasaje del Bicentenario

En el marco del Festival Danzafuera, el Centro de Arte de la UNLP invita a participar de la residencia de creación y montaje llevado a cabo durante el festival con intérpretes seleccionades mediante una convocatoria abierta y gratuita.
El recorrido comienza a las 18h en Plaza Moreno y termina en el Pasaje del Bicentenario a las 19h. Coordinan la actividad Mariana Pessoa y Claudia Brito (General Roca, Argentina).

Buscaremos torcer el punto de mira, mirar de otro modo, trastornar lo habitual de la propia práctica. ¿Qué es aquello que el paso del tiempo transforma y que sólo la permanencia nos deja ver? ¿Mirando revela? ¿Qué construimos al interactuar con otros lenguajes, con otras fisicalidades, con el entorno?
Proponemos trabajar en complicidad y colaboración. Serán cinco horas de trabajo del cuerpo físico más investigación y creación para montaje.
La potencia.
La acumulación.
La resistencia.
La relación e interacción.
La posibilidad de trastornar la práctica.
La actualización y resignificación.

Volver a mirar para ver la impronta del tiempo sobre la imagen-movimiento, la resistencia o el ocasional abatimiento de un cuerpo físico, una acción o una idea.
¿Cuántas capas constituyen la piel de una escena?
Volver a mirar o continuar mirando… parpadear, desenfocar… alterar la manera de ver y de dar lugar al devenir.
¿Cuántas capas constituyen el espesor de una escena, su volumen?
Las imágenes y sus acciones venideras se revelan desocultandose en el tiempo, se transforman, se trastocan, se transpiran, se agitan, se cansan, se gimen, se gritan, se callan, pueden caer o no y siempre se resignifican. Se visten con otras ropas, pero siguen estando ahí, aunque en cada parpeadear sean siempre las mismas y a la vez siempre otras.
¿Qué construimos al interactuar con otros lenguajes, con otras fisicalidades, con el entorno?

 

 

 

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Práctica para ensanchar una línea

Sala A

En el marco del Festival Danzafuera, el Centro de Arte invita a participar de Práctica para ensanchar una línea, un proceso de creación que se desarrolla en tres instancias:

1. Experiencia
Un grupo de performers realizó un ejercicio de observación en el espacio público. Cada performer hizo un recorrido siguiendo un procedimiento. El recorrido fue seguir la línea que se forma entre el encuentro del cordón y la calle, alrededor de la manzana donde se encuentra el lugar donde vive. Un zoom sobre un borde, ampliar un margen donde se acumula basura y muchas cosas más.
Los registros se realizaron en cinco soportes: palabras, audios, fotos, videos y cosas/objetos encontrados que se consideraron valiosos. ¿Qué gestos emergen en este recorte territorial?

2. Archivo
El archivo se presenta como el primer lugar de encuentro de los materiales, un espacio virtual que vuelve a la experiencia colectiva. Se compilan y editan los registros de cada uno de los recorridos en una web (textos, audios, fotos, videos y objetos).

3. Escena
Práctica para ensanchar una línea, utiliza el recorrido como estímulo central de la acción performativa, y el espacio público como la herramientas de investigación. Devela las imaginaciones implicadas en la acción de observar y adultera esas imaginaciones en una escena.
La escena vuelve a encontrar los materiales del archivo, esta vez haciendo foco en la performatividad que sus despliegues y manipulaciones requieren, un devenir donde cuerpos, sonido, texto e imágenes generan un ambiente específico, que se define por sus movimientos y constante hibridación, desafiando la lógica del adentro y el afuera.
La instalación de los materiales del archivo en el espacio, son el comienzo de la escena. Una gran línea de bolsas transparentes colgadas sobre una pared, contienen los objetos encontrados. Una imagen proyectada del archivo web, una micro proyección que reproduce fotos. Una pila de procedimientos. Un dibujo de los recorridos. Cada performer reproduce el audio de su recorrido desde su celular, provocando una atmósfera sonora en constante movimiento. Todo un ambiente exterior, reconfigurado en este nuevo espacio interior. Tanto público como performers pueden desplazarse y recorrer el espacio como deseen.

Performers: Antonella Cavenaghi, Belén Otero, Cristian Zapata, Camila Blander, Catalina de Chazal, Francisca Rosso, German Rizo, Libertad Averbuj, Natasha Luna Mogro, Tania Renteria, Tatiana Gabusi y Vanesa Robles
Edición de registro audiovisual: Virginia Francia
Dirección: Elina Rodríguez
El proyecto cuenta con el apoyo de Galpón FACE.

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